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Batman (2022)

Por André Dick

Depois de Batman vs Superman e Liga da Justiça, ambos de Zack Snyder, um dos filmes que continuariam o universo estendido da DC seria The Batman, dirigido e atuado por Ben Affleck. No entanto, o ator teve problemas pessoais e a recepção crítica em geral aos projetos de Snyder acabou por afastá-lo da DC, embora tenha havido outras explicações. Para substituí-lo, a Warner apostou em Matt Reeves, que havia feito o segundo e terceiro filmes da franquia Planeta dos macacos.
Sem pertencer ao universo compartilhado da DC, Batman é um filme capaz de entregar uma nova visão narrativa sobre o personagem. Desde o início, mostrando uma narração do próprio super-herói e um clima de investigação, cerca de dois anos depois de ele aparecer como justiceiro, Reeves tenta trabalhar o personagem sob um ângulo distinto, em situações mais parecidas com as de um filme de suspense ou policial, com fotografia excepcional de Greig Fraser, de Rogue One e Duna, e grande atmosfera em geral. O Batman de Reeves, com sua faceta de detetive e seus diários, lembra muito o Rorschach de Watchmen – O filme, também de Snyder, movendo-se lentamente numa Gotham City sempre dominada pela criminalidade e sujeira nas ruas. Reeves emprega nela uma atmosfera noir, ao mesmo tempo com certa invasão da tecnologia – elementos que funcionam em conjunto sem soar forçado.

Em nenhum momento ele emprega aquela Gotham City mais clara de Nolan, principalmente em O cavaleiro das trevas, com suas sequências de assaltos a bancos em plena luz do dia, mas vai buscar inspiração na história em quadrinhos O longo dia as bruxas. O fato de o homem-morcego buscar o Charada (Paul Dano), que vem causando problemas na cidade, traz um roteiro com várias homenagens a Seven – uma vez ou outra incômoda, pois menos orgânica – e mesmo a Hammett, de Wim Wenders, dos anos 80. Essa caçada, que começa já sob uma chuva pesada, envolvendo o prefeito Don Mitchell Jr. (Rupert Penry-Jones), o leva a outros personagens, como Carmine Falcone (John Turturro), Pinguim (Colin Farrell), Gil Colson (Peter Sarsgaard), mas, principalmente, a Selina Kyle (Zoë Kravitz). As ações de Batman são mais próximas do Comissário Gordon (Jeffrey Wright), atuando quase como um detetive, coletando pistas de maneira atenta numa Gotham em que policiais e políticos estão envolvidos em grande corrupção.
Robert Pattinson é, sem dúvida, o ator que encarna Batman por mais tempo num filme, outro traço original de Reeves, fazendo a persona de Bruce Wayne quase desaparecer por trás da máscara. Affleck é o Batman mais parecido com as HQs, Pattinson o que melhor atua com o olhar. Em momentos como Wayne, ele não funciona como poderia (e em Cosmópolis fazia uma espécie de milionário perturbado com talento e até bom humor), também um pouco prejudicado pela maquiagem que remete a Lisbeth de Millennium – Os homens que não amavam as mulheres, o que desvia um pouco o foco do personagem. De qualquer modo, sua interação (breve, é verdade) com Alfred funciona, com boa atuação de Andy Serkis, que se mostra aqui melhor do que em outros momentos, extremamente concentrado, sobretudo numa sequência na qual está numa situação delicada.

Batman tem uma trilha sonora impactante de Michael Giacchino, embora a melodia principal lembre o tema do Darth Vader de Star Wars, e o design de produção remete a algumas obras de David Fincher, não apenas Seven e Millennium, mas Zodíaco, Clube da luta e Garota exemplar em especial (numa cena em que Batman encontra um grupo de desabrigados e junkies numa construção abandonada). Se fizesse parte do universo compartilhado da DC, Batman, de Matt Reeves, estaria ao lado das obras de Snyder, no qual vai buscar referências visuais por todos os lados. Tem traços do Coringa de Todd Phillips também, sobretudo no uso de efeitos sonoros no metrô. E, claro, de Nolan, sobretudo no tratamento visual de determinados trechos, como aqueles passados na delegacia e no Asilo Arkham. Ademais, pode-se dizer que numa batida de Batman em um clube noturno tem muito o clima do RoboCop de Paul Verhoeven, assim como a maneira que ele observa uma festa por meio de Selina Kyle.
Do mesmo modo, há elementos de terror que Reeves trabalhou em sua versão de Deixe-me entrar, com sua riqueza visual. Existe uma tentativa de tornar o super-herói mais presente de modo realista nos cenários, já a partir do início, quando se encontra com Gordon e policiais na cena de um crime a ser investigado, e nos equipamentos que ele usa, como uma moto e um carro que parecem resultado de um trabalho apurado na caverna onde se esconde com certo estilo underground. Em igual sintonia, as lutas soam verdadeiras. A maneira como Reeves filma sua entrada em cena remete a alguém humano com os demais presentes. A sua direção é segura, recuperando alguns traços de Nolan igualmente nos movimentos de câmera, mas com uma elegância que remete principalmente a Ridley Scott e um de seus alunos no cinema contemporâneo, Denis Villeneuve. O uso que faz de cores, como o céu alaranjado ou o vermelho de uma tocha que Batman acende em determinado momento, acompanhado do design de abajures em vários cenários, é notável. Os cenários chuvosos antecipam um clima fúnebre, que revela o estado deste Bruce Wayne mais introspectivo. Há, com isso, uma sequência numa catedral que remete à série O poderoso chefão em todos os detalhes, principalmente de iluminação, e a descoberta de Bruce de um detalhe familiar o leva a pensar se estaria sempre vivendo numa família de aparências, temática própria da trilogia de Coppola. Falcone e Pinguim intensificam uma atmosfera de obra sobre a máfia.

O que mais surpreende em Batman, no entanto, é como Reeves fez um longa de quase três horas de duração com poucas cenas de ação, uma característica já de sua obra-prima Planeta dos macacos – A guerra, o que não tira o entusiasmo do espectador em acompanhar uma linha de investigação elaborada e funcional, apesar de alguns dos diálogos escritos pelo diretor com Peter Craig tragam pouco desenvolvimento em alguns trechos, como num determinado encontro entre Wayne e Alfred, cuja psicologia não consegue ser a mais adequada, prendendo-se a conceitos como o de “medo”, já explorado devidamente por Nolan em sua trilogia. Em determinadas cenas com concentração em diálogos, parece mais um filme de Paul Thomas Anderson, nos moldes de um O mestre, do que um filme de super-heróis, com certo impacto nos closes. Não por acaso, Reeves inclui Dano, que estava em Sangue negro, para jogar contra Batman, indo na linha totalmente contrária daquela adotada por Jim Carrey para o Charada em Batman eternamente. Os encontros de Batman e Selina possuem também uma disposição interessante de argumentos, fazendo uma aproximação entre os personagens que era bem trabalhada nas versões de Burton e Nolan, mas encontra aqui um elemento de sensibilidade e se liga à infância de ambos os personagens talvez mais instigante. E é difícil saber quem atua melhor no filme, todos em ótimo momento, e Farrell irreconhecível debaixo da maquiagem.
Se cada filme do Batman conta um pouco do seu tempo, o de Matt Reeves vai na linha de um personagem que busca investigar linhas que levem à verdade de um caso sem ultrapassar limites e com uma base melancólica que dialoga muito com a melodia pesarosa de “Something in the way”, a canção do Nirvana usada para abrir parte importante da narrativa, sem nenhum traço de humor que se via em versões anteriores, como as de Michael Keaton e Christian Bale, e mesmo na de Ben Affleck. Pattinson encarna muito bem um indivíduo que busca encontrar sua personalidade, mesclando certa loucura de O farol com um afastamento da realidade notado em Cosmópolis, assim como Kravitz. Há uma tentativa de mostrá-lo como um justiceiro que não foge à lei e como uma espécie de esperança para Gotham de modo mais enfático. É preciso, com isso, viver respeitando a memória dos mortos. Ao mesmo tempo, seu apego ao passado, pelo que aconteceu com seus pais, dialoga de forma eficiente com a vida de Selina, o que cresce com a atuação dedicada de Kravitz. A fotografia de Fraser captura este momento do personagem em toda a sua relevância. E Reeves consegue, mesmo apanhando várias referências de outros cineastas, elevar seu filme a uma obra de fato com marca própria.

The Batman, EUA, 2022 Direção: Matt Reeves Elenco: Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Paul Dano, Jeffrey Wright, John Turturro, Peter Sarsgaard, Andy Serkis, Colin Farrell Roteiro: Matt Reeves e Peter Craig Fotografia: Greig Fraser Trilha Sonora: Michael Giacchino Produção: Dylan Clark e Matt Reeves Duração: 176 min. Estúdio: DC Films, 6th & Idaho, Dylan Clark Productions Distribuidora: Warner Bros. Pictures

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por André Dick em 3 de março de 2022  •  Link Permanente
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Postado por André Dick em 3 de março de 2022

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O pintassilgo (2019)

Por André Dick

Quando Brooklyn foi lançado em 2015, imediatamente o diretor John Crowley foi alçado à categoria de nomes a serem observados, por unir um fundo histórico e um romance delicado com Saoirse Ronan, baseado em livro de Nick Hornby. O seu passo seguinte é O pintassilgo, baseado desta vez num romance de Donna Tartt, vencedor do Pulitzer. Desde o início, estamos diante de uma história cuja tensão se dá de modo fragmentado.
Theodore Decker (Oakes Fegley), de 13 anos, perdeu a mãe, Audrey (Hailey Wist), num atentado no Metropolitan Museum of Art, em Nova York. Após o acontecimento, Theo leva consigo uma pintura, “O Pintassilgo”, uma das poucas de Carel Fabritius, e vai ficar com a família Barbour, de seu amigo Andy (Ryan Foust), pois seu pai o abandonou. O menino fica próximo principalmente da mãe de seu amigo, Samantha Barbour (Nicole Kidman), também admiradora de antiguidades. Por meio de um anel, ele vai parar numa loja de antiguidades coordenada por  James “Hobie” Hobart (Jeffrey Wright), que teve seu parceiro Welton “Welty” Blackwell (Robert Joy), morto no mesmo atentado. Theo reencontra Pippa (Aimee Laurence), a neta de Welton, que viu um pouco antes do atentado, mas não lembra dele.

Quando Theo passa a se sentir parte dos Barbours, seu pai Larry (Luke Wilson) reaparece, com a namorada, Xandra (Sarah Paulson), para levá-lo a Las Vegas, onde vai morar quase no meio do deserto. Lá ele faz amizade com Boris (Finn Wolfhard), um imigrante ucraniano, com problemas familiares.
Brooklyn era mais uma fantasia sobre a imigração, e isso transparecia na luz solar que o diretor captava, com uma câmera lenta um pouco incômoda, lembrando excessivamente telefilmes antigos, no entanto, por causa do elenco, de Saoirse Ronan, sobretudo, atingia uma emoção verdadeira em certos momentos, quando a personagem dela ficava em dúvida se devia ficar com a descoberta da América ou voltar ao velho mundo, à segurança de estar num lugar de origem. Não havia uma dramatização intensa revelando isso, acabando por prejudicar o empenho do elenco em trabalhá-la, porém Brooklyn possuía uma certa sinceridade que outras obras com mais pretensão não capturam, não o afastando de um modo de fazer cinema já clássico e cujo hype suscitado pela indicação ao Oscar de melhor filme apenas o prejudicava.

O pintassilgo não chega a tratar exatamente de imigração, entretanto seu pano de fundo é o mesmo: além da figura de Boris, amigo de Theo, este se sente um imigrante em todos lugares aonde vai. Nunca plenamente aceito, pelas condições em que foi inserido pela situação, Theo é interpretado com brilhantismo na juventude por Oakes Fegley e na vida adulta por Ansel Elgort. Quando mais velho ele volta a Nova York, Crowley o mostra como um agente de antiguidades, precisando enfrentar Lucius Reeve (Denis O’Hare), mas seu passado nunca se resolve e ele volta a ter contato com a antiga família que o abrigou, na qual tem especial interesse por Kitsey (Willa Fitzgerald). Numa série de idas e vindas no tempo, Crowley costura o que faltava a Brooklyn: uma sólida visão sobre a existência de um personagem cheio de lacunas, preenchido apenas, de certo modo, pela pintura de “O pintassilgo” e a figura materna, presente em todas as situações. Em igual escala, a amizade de Theo com Boris avança por anos com uma sensibilidade acrescentada à trama.
Com a ajuda da notável fotografia de Roger Deakins, a narrativa transita entre Nova York e o deserto de Las Vegas sem perder a unidade – e nesta segunda localidade com uma influência perceptível de Amor pleno, de Terrence Malick, nas quadras vazias dando em estradas no meio do deserto. Há uma elegância impecável no diálogo com o design de produção, principalmente em Nova York, contrastando com a insegurança dos personagens, nunca exatamente tranquilos onde se encontram. E a mudança sempre é feita de modo a levar os personagens adiante.

Diante de críticas que extraíram de maneira geral a qualidade de uma obra tão rica desde o lançamento no Festival de Toronto – ajudando a fazer com que fosse um fracasso de bilheteria, ou seja, escondendo mais um acerto do público –, O pintassilgo se mantém de modo tocante no que se refere à construção de uma identidade por meio da arte e das figuras ao seu redor. É apropriadamente bela a sequência na qual Theo se encontra com Pippa na vida adulta (interpretada por Ashleigh Cummings), e ela lhe diz não consegue suportar o que os faz ter em comum, justamente o atentado. É como se apenas Theo vivesse naquele situação que marcou sua vida e ela acabasse interferindo em todas as escolhas, e ele continuasse em meio aos escombros, solitário, caminhando pelas cinzas, no que lembra Mais forte que bombas, de Joachim Trier. Além disso, a analogia entre o acontecimento e partículas de poeira no ar é muito bem trabalhada, assim como a da explosão com o personagem na banheira ou se jogando na piscina, como se quisesse um alívio em relação ao pensamento recorrente.

O pintassilgo, desse modo, dialoga também com os acontecimentos do início deste século e como o trauma interfere no cotidiano de um ser humano. O roteiro de Peter Straughan dispõe as peças de maneira calculada, acentuando certa nostalgia nas passagens da infância, em que Finn Wolfhard, como Boris, tem o melhor papel de sua trajetória (fugindo do espaço de Stranger Things e It), como se fosse um jovem Tim Burton. Essa breve convivência juvenil traz alguns dos melhores momentos do filme, quando a amizade e o planejamento de um futuro melhor se tornam o foco. Crowley utiliza o cenário de maneira sensível, desde os balanços em meio ao deserto até uma corrida de Theo por uma rua vazia tentando se afastar dos problemas de casa. Também visualiza piscinas vazias representando o sentimento geral e enfático dos personagens, geralmente desgovernados. E Ansel Elgort encontra infelizmente o segundo fracasso financeiro de sua breve carreira, depois de Homens, mulheres e filhos, em outro triunfo que, ao que se espera, encontre seu público com o passar dos anos.

The Goldfinch, EUA, 2019 Diretor: John Crowley Elenco: Ansel Elgort, Oakes Fegley, Aneurin Barnard, Finn Wolfhard, Sarah Paulson, Luke Wilson, Jeffrey Wright, Nicole Kidman Roteiro: Peter Straughan Fotografia: Roger Deakins Trilha Sonora: Trevor Gureckis Produção: Nina Jacobson, Brad Simpson Duração: 149 min. Estúdio: Amazon Studios, Color Force Distribuidora: Warner Bros. Pictures

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por André Dick em 25 de novembro de 2019  •  Link Permanente
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Postado por André Dick em 25 de novembro de 2019

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A lavanderia (2019)

Por André Dick

O cineasta Steven Soderbergh sempre teve um projeto cinematográfico voltado a mostrar o indivíduo tentando enfrentar um sistema oculto ou visível, de modo que sua obra pode ser vista como uma extensão das ideias que revelam os choques entre as pessoas à margem dele. De certo modo, isso constitui alguns de seus melhores projetos, a exemplo de Erin Brokovich. Ao mesmo tempo, ele busca rechaçar o sistema de tratamento psiquiátrico, em peças como Terapia de risco e Distúrbio, em meio à série buscando a diversão em assaltos de Onze homens e um segredo. Ainda ele vê certo atrativo em universos deteriorados, como em Contágio e Kafka.
Em A lavanderia, ele acompanha Ellen Martin (Meryl Streep), que está em férias com o marido Joseph David (James Cromwell) quando acontece algo terrível. Ela passa a buscar meios de como processar a vida sob outra condição, tendo de lidar com determinados seguros que a levam a uma teia muito delicada de corrupções e desvios ligados a um escritório de advocacia da Cidade do Panamá, dirigido por Jürgen Mossack (Gary Oldman) e Ramón Fonseca (Antonio Banderas).

Eles prestam serviços para os mais variados clientes – e não necessariamente honestos, incluindo bandidos declarados, como traficantes, e ditadores. Ellen está aos poucos consciente de que sua vida ao lado da filha, Melanie (Melissa Rauch) e dos netos é apenas um resquício de um grande conglomerado de interesses escusos.
Com um início satirizando a aurora da humanidade de Kubrick em 2001 (e o cineasta teve parte de seu patrimônio envolvido na mesma questão que apresenta o filme), Soderbergh está interessado em ligar esse mosaico da vida minúscula de Ellen com uma discussão relacionada a negócios. Neste ano, ele já havia oferecido uma visão contundente sobre o universo do basquete em High flying bird, mas é em A klavanderia que ele utiliza uma trama provocadora.

Baseado numa atuação concisa e excelente de Streep, são, no entanto, Oldman e Banderas que brilham em papéis evocando A grande jogada, de Adam McKay. Assinando com seu pseudônimo Peter Andrews, Soderbergh apresenta um trabalho de fotografia notável, parecendo ampliar sempre cada cenário com lentes luminosas (e ele sempre foi experimental, mesmo nos momentos mais fracos, a exemplo de Full frontal). As reuniões do Capitão Ethan Allen (Robert Patrick) e Matthew Quirk (David Schwimmer), sócios de uma balsa que causa o conflito do primeiro ato, num pub são especialmente agradáveis, apesar do assunto insensível, ligado a papéis não comprováveis da Shoreline Cruises, levando a um vigarista das Bahamas, Irvin Boncamper (Jeffrey Wright).
Soderbergh, baseado num roteiro de Scott Z. Burns, a partir de Based on Secrecy World: Inside the Panama Papers Investigation of Illicit Money Networks and the Global Elite, de Jake Bernstein, joga com os personagens em diferentes espaços e suas ações sendo colhidas numa cadeia, como ele se especializou em mostrar no ótimo Traffic. Há uma base numa história verdadeira, a dos Panama Papers, mas ele cresce exatamente em pontos rotineiros, quando mostra um ricaço, Charles (Nonso Anozie), que é pego numa situação delicada pela filha Simone (Jessica Allain) e precisa contorná-la tentando esconder da sua esposa Miranda (Nikki Amuka-Bird). Por trás, os acordos familiares e, do mesmo modo, o eco dos Panamá Papers. É interessante como Soderbergh, como em Logan Lucky, seu filme de assalto nos bastidores de uma corrida de automóveis mostra também dois homens reunidos num bar (Will Forte e Chris Parnell), em algo que lembra A mula, de Eastwood. Também temos em viagem ao Oriente o personagem Maywood (Matthias Schoenaerts), se envolvendo numa estranha situação com Gu Kailai (Rosalind Chao).

A lavanderia não é necessariamente um drama ou uma comédia, situando-se num meio-termo oportuno que conduz o risco de emprego de dinheiro em questões duvidosas. Embora toda a narrativa que envolve a personagem de Streep seja mais de um drama de Hollywood, interrompido apenas por uma cena em que ela imagina fazer algo, em outros momentos o filme parece uma sátira, que, embora lembre A grande aposta, não tem o encantamento de McKay pelas trapaças. Ou seja, Soderbergh lança um certo pesar mesmo quando parece brincar com as vítimas das enganações de Mossack e Fonseca – e ao filmá-los por meio de imagens emulando propagandas luminosas lança, na verdade, uma bruma de dúvida sobre seu comportamento. Nesse sentido, o filme de Soderbergh, apesar de nunca explorar com a devida ênfase seus personagens, é um estudo muito curioso sobre o universo dos negócios e o reflexo na vida de várias pessoas, mesmo que pareça episódico. É na sua aparente leveza que sua trama se fortalece de maneira substancial, definindo-se como um dos melhores momentos na trajetória de Soderbergh e do cinema deste ano.

The laundromat, EUA, 2019 Diretor: Steven Soderbergh Elenco: Meryl Streep, Gary Oldman, Antonio Banderas, Jeffrey Wright, Robert Patrick, Nonso Anozie, Melissa Rauch, Jessica Allain, Nikki Amuka-Bird, David Schwimmer, Sharon Stone Roteiro: Scott Z. Burns Fotografia: Steven Soderbergh (como Peter Andrews) Trilha Sonora: David Holmes Produção: Scott Z. Burns, Lawrence Grey, Gregory Jacobs, Steven Soderbergh Michael Sugar Duração: 95 min. Estúdio: Anonymous Content, Grey Matter Productions, Topic Studios, Sugar23 Distribuidora: Netflix

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por André Dick em 25 de outubro de 2019  •  Link Permanente
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Postado por André Dick em 25 de outubro de 2019

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Noite de lobos (2018)

Por André Dick

Lançado no Festival Internacional de Toronto há menos de duas semanas, Noite de lobos já está disponível na Netflix. Seu diretor é Jeremy Saulnier, muito elogiado por seu filme de estreia, Ruína azul, e mais ainda pelo seguinte, Sala verde. Se esses filmes já demonstravam uma tentativa de o diretor mostrar tramas antilineares, maior ainda era a propensão de ambos à violência. Ela se repete na sua nova obra.
Sua história, assinada por Macon Blair (diretor do muito interessante e vencedor do Festival de Sundance em 2017, Já não me sinto em casa nesse mundo), a partir de um romance de William Giraldi, é ainda mais estranha: o especialista em lobos Russell Core (Jeffrey Wright) vai para Keelut, no Alasca, a fim de caçar lobos que teriam matado três crianças. Quem o chama é Medora Slone (Riley Keough, depois de uma sequência de êxitos no interior dos Estados Unidos com Docinho da América e Logan Lucky), que teve o filho Bailey desaparecido. Ela quer que Core mate os lobos responsáveis. Ao mesmo tempo, Saulnier mostra o marido dela, Vernon (Alexander Skarsgård), na guerra do Iraque, agindo de maneira impactante diante de um abuso cometido por um soldado.

O comportamento de Medora é estranho durante uma noite, quando parece estar dominada por algum espírito maligno e tenta seduzir Core. No dia seguinte, ele vai atrás dos lobos, mas, sem conseguir atingi-los, na volta à casa de Medora tem uma grande surpresa, o que leva os aldeões a dizerem que ela está sob domínio de um demônio-lobo.
Vernon volta para casa e começa a agir de modo ainda mais estranho quando tem uma revelação chocante – e Saulnier parece predisposto a aliar o universo dos lobos com o do combate e da guerra, em sequências de ultraviolência, o que remete a seus filmes anteriores, principalmente Sala verde. Vernon visita uma bruxa local, Illanaq (Tantoo Cardinal), enquanto Russell tenta pedir ajuda ao chefe de polícia Donald Marium (James Badge Dale). O comportamento de Cheeon (Julian Black Antelope), um dos amigos de Vernon e que também perdeu um filho para a matilha de lobos que cerca o local, se conecta com as ações deste – e a passagem na qual enfrenta a polícia lembra aquela da segunda parte de O exterminador do futuro, de James Cameron, no entanto também com a guerra no Iraque. Lugares desolados, para Saulnier, e isso se mostra especificamente no filme anterior dele, estão predispostos a atrair a loucura e o desafio às leis.

Não se pode dizer que Noite de lobos tem como premissa copiar premissas de filmes de terror norte-americanos. Seu clima é mais introspectivo e possui uma fotografia notável de Magnus Nordenhof Jønck, com o talento já mostrado em Lean on Pete. Seu trabalho aqui remete à de dois filmes recentes passados num ambiente gelado, Terra selvagem e Boneco de neve, dialogando com as atuações do elenco, sobretudo de Skarsgård, logo depois do subestimado Mudo, e de Wright, muito compenetrado em sua sensação de nada saber sobre o que está acontecendo. Eles conseguem lidar muito bem com o simbolismo da trama, que tem correspondência com A hora do lobo, de Ingmar Bergman, dos anos 60, sobre um casal afastado numa ilha que vivia uma espécie de pesadelo. Esta obra bergmaniana é uma das influências mais notáveis na obra de David Lynch e, se Saulnier não tem a capacidade para tornar suas imagens tão enigmáticas, consegue, através das atuações e da maneira como dispõe a narrativa, sem um início, meio e fim claros, desenvolver uma notável amplitude quando é preciso o soco emocional para fazer as coisas andarem em frente.

O clima de aldeia ameaçada, além disso, remete ao clássico Grito de horror, de Joe Dante, pois o filme de Saulnier é, antes de tudo, uma revisitação à clássica figura cinematográfica do lobisomem, mas sob um olhar contemporâneo e mais em consonância com temas geopolíticos. Para Saulnier, o instinto da natureza do homem se mostra em diferentes contextos – o calor do Iraque e o gelo do Alasca são polos iguais –, assim como a violência se propaga do mesmo modo: um tiro na nuca de Vernon no Iraque e depois em outro personagem se juntam com o mesmo sentido, de que a violência fantasiosa do lobisomem, que morde suas vítimas, se dá agora por meio de tiros. O nível de sangue, que extrapolava em Sala verde e no filme dirigido pelo roteirista de Noite de lobos, contrasta com o cenário desolador do Alasca e sua brancura e desolação, porém é resultado também dessa guerra estrangeira trazida para o interior dos Estados Unidos. É como se Saulnier dispusesse esse contraste de maneira a fazer o espectador se espantar com seu simbolismo. Ele não expõe de maneira clara, como fazia em Sala verde, por exemplo, os temas que estavam por trás de tudo: pelo contrário, nunca entendemos realmente por que os personagens agem de uma maneira ou outra, sempre contrariando suas próprias posições iniciais. Por isso, talvez, Noite de lobos esteja sendo tão mal recebido. Trata-se de um avanço surpreendente e anticomercial na concepção de um cineasta que parecia fadado apenas a cenas chocantes e muitas vezes gratuitas, em alguns momentos tentando emular Quentin Tarantino. Desta vez, ele certamente tem algo a dizer, embora não pareça, pelos poucos diálogos e pela narrativa nada linear.

Hold the dark, EUA, 2018 Diretor: Jeremy Saulnier Elenco: Jeffrey Wright, Alexander Skarsgård, James Badge Dale, Riley Keough, Irene Bidel, Julian Black Antelope, Tantoo Cardinal Roteiro: Macon Blair Fotografia: Magnus Nordenhof Jønck Trilha Sonora: Brooke Blair e Will Blair Produção: Russell Ackerman, Eva Maria Daniels, John Schoenfelder Duração: 125 min. Estúdio: Addictive Pictures, VisionChaos Productions, FilmScience Distribuidora: Netflix

 

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por André Dick em 3 de outubro de 2018  •  Link Permanente
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Postado por André Dick em 3 de outubro de 2018

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Jogos vorazes: A esperança – O final (2015)

Por André Dick

Jogos vorazes 2.9

Os que reclamam que um livro é dividido em filmes de duas partes costumam ser críticos à indústria de querer lucrar várias vezes com a mesma história. O diretor que mais enfrentou esse percalço nos últimos anos foi Peter Jackson, com seu bastante criticado (pelo menos em sua primeira e terceira partes imerecidamente) O hobbit. Embora Jogos vorazes tenha tido apenas seu último livro dividido em duas partes, pode-se dizer que a opção rendeu uma primeira parte muito boa. Quem a viu em Blu-ray, mesmo sem ser fã da série, é capaz de reconhecer a sua qualidade: muito bem montado (os dois primeiros eram excessivos) e se serve apenas para anunciar uma segunda parte que então a série começasse nela.
Embora não seja fã da série, apesar de reconhecer qualidades nos dois primeiros filmes, não foi sem tempo:  Jogos vorazes: A esperança – Parte 1 parecia ser o melhor dos três primeiros, e  não parecia apenas motivo para antecipar a segunda parte do último capítulo. Falavam o mesmo de Harry Potter e as relíquias da morte, cuja primeira parte ainda me parece a melhor de toda a série.

Jogos vorazes 2.14

Jogos vorazes 2.8

Jogos vorazes 2.15

Agora em Jogos vorazes: A esperança – O final, o mesmo diretor Francis Lawrence traz de volta a personagem de Katniss Everdeen, escolhida para enfrentar o vilão Coriolanus Snow (Donald Sutherland) e trazer a paz, sob a liderança de Alma Coin (Julianne Moore), assessorada por Plutarch Heavensbee (Philip Seymour Hoffman). Ela embarca numa missão com seus amigos Gale (Liam Hemsworth), Finnick (Sam Claflin), Cressida (Natalie Dormer), Pollux (Elden Henson) e a companhia de um instável Peeta (Josh Hutcherson) – que no episódio anterior (e isso passa a ser um spoiler para quem não viu) já havia se tornado numa espécie de ameaça para a segurança – sob a liderança de Boggs (Marhersala Ali) e a tenente Jackson (Michelle Forbes). Esse grupo parte para tentar salvar os cidadãos de Panem. A história de Jogos vorazes, baseada nos romances de Suzanne Collins, parece à primeira vista apenas uma composição de ideias que mesclam a dúvida diante de uma promessa de liberdade em um novo sistema política por meio de um grupo de jovens que idealizam um futuro diferente. No entanto, é apenas uma impressão ligeira, uma vez que Jogos vorazes é realmente uma série que, com virtudes e falhas, ainda diz algo que foge ao que poderia ser mais raso, diferente de outras séries que iniciam agora com promessa de longa duração, a exemplo de Maze Runner.

Jogos vorazes 2.4

Jogos vorazes 2.6

Jogos vorazes 2.3

Mais uma vez, Jennifer Lawrence entrega um grande desempenho como Katniss, assim como Julianne Moore e Philip Seymour Hoffman. Woody Harrelson é o toque divertido, e continua assim, apesar de aparecer pouco. E Donald Sutherland, como o presidente Snow, é terrível: ele sabe como lançar um vilão. O filme, além disso, tem uma qualidade acima de média de design de produção: visualmente é muito atraente. Com uma dose de ação e apelo emocional em medidas iguais, a série justifica sua existência por esses dois filmes finais, especialmente esta quarta parte, sem sobrecarregar a parte expositiva (um problema do segundo, por exemplo, talvez uma réplica do primeiro). Nada parece forçado como costumam ser os blockbusters, há um tom sombrio e assustador em algumas passagens (que cercam um hospital, no segundo, ou a segunda parte toda deste, por exemplo). Em razão de uma quase ausência de Stanley Tucci, a série passa a ter muito menos um foco no divertimento do que na tensão. Se a primeira parte parecia fazer, em alguns momentos, uma homenagem a A hora mais escura, nesta segunda são claras novamente as referências: Batman – O cavaleiro das trevas ressurge, principalmente nos cenários urbanos, quando a equipe precisa atravessar uma cidade com centenas de armadilhas, na composição das naves e nos cenários invernais, e Aliens – O resgate, de James Cameron, com sua colocação de personagens em túneis. É especialmente bem feita a composição de cenários e a fotografia de Jo Willems para que os personagens se cruzem em cenas de ação muito bem filmadas e com alta vibração sonora e interativa.

Jogos vorazes 2.10

Jogos vorazes 2.12

Jogos vorazes 2.5

Por meio de uma direção eficiente de Francis Lawrence, os  núcleos dramáticos funcionam devido à presença de Lawrence e até a Josh Hutcherson. Embora os personagens não sejam tão desenvolvidos – e as presenças de Haymitch Abernathy (Woody Harrelson) e Effie Trinket (Elizabeth Banks) sejam menores, além daquela, infelizmente pelo pior motivo, de Seymour Hoffman –, Jogos vorazes se sustenta como poucas séries de ação, muito por causa do roteiro bem estruturado de Peter Craig e Danny Strong. Apesar de sua indefinição inicial, quando os personagens parecem se ajustar ainda ao que aconteceu na primeira parte, quase fazendo uma recapitulação dos acontecimentos, trata-se de um roteiro bastante efetivo no momento em que encadeia sua ação. Não há exageros dramáticos nem um torneio de vozes para que cada personagem chame atenção para si, e sim tudo é disposto de maneira a ser um desenrolar efetivo.
E há o que mais instiga na série: seus conflitos políticos. Os personagens são bons ou manipuladores? Há uma real vontade de liberdade ou apenas de escolher outro modo de dominação? A líder feita por Julianne Moore é boa ou está interessada apenas em se aproveitar da imagem de Katniss? Será que todas as histórias servem apenas para ser sintetizadas, imediatamente, pelo primeiro programa de notícias a ir para o ar? A última cena do primeiro filme deste capítulo final já parecia dizer muito: no reflexo pode estar o inesperado de cada indivíduo.

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Jogos vorazes 2.17

Jogos vorazes 2.7

Impressiona como esta segunda parte do capítulo final de Jogos vorazes ainda flerta com passagens temporais mais do que os outros da série e do que outros filmes ditos mais complexos e profundos. Se a sua primeira parte mostra uma obscuridade capaz de remeter à Revolução Industrial, com fumaça, tempo cinza e cenários apresentados como espaços de fábricas, sua segunda parte é acometida por uma urbanidade opressiva, enquanto o palácio de Snow lembra mais o século XVIII e um casamento apresenta uma trilha sonora que remete a O portal do paraíso, assim como a sua dança. Não à toa, a personagem de Katniss, a partir de determinado momento (e já transparecia no primeiro filme), parece habitar uma arena romana, para delírio do público, e avance mais tarde para espaços bucólicos capazes de dialogar com Barry Lindon, de Kubrick, na composição de imagens antigas, contra qualquer presença de um ambiente futurista e opressivo. Em determinado momento, é preciso dar luz ao que antes era nublado e escuro, mas Lawrence não vê isso de maneira idealizada: há sempre uma espécie de ameaça e melancolia nas imagens desses personagens buscando a sua mudança pessoal. Isso torna esse desfecho da série uma realização no mínimo original e de grande impacto.

The hunger games: Mockingjay – Part 2, EUA, 2015 Diretor: Francis Lawrence Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Julianne Moore, Donald Sutherland, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Jena Malone, Sam Claflin, Stanley Tucci Roteiro: Danny Strong, Peter Craig Fotografia: Jo Willems Trilha Sonora: James Newton Howard Produção: Jon Kilik, Nina Jacobson Duração: 137 min. Distribuidora: Paris Filmes Estúdio: Color Force / Lionsgate

Cotação 4 estrelas

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por André Dick em 21 de novembro de 2015  •  Link Permanente
Postado em Filmes dos anos 2010
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Postado por André Dick em 21 de novembro de 2015

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