Por André Dick

O ano de 2015 trouxe uma série de filmes que pareciam remeter ao final dos anos 70 e início dos anos 80, além de dar uma passagem pelos anos 90: Star Wars, Mad Max, Jurassic World, Férias frustradas, Poltergeist… Entre George Lucas e George Miller, as franquias vão se revitalizando. E os filmes de super-heróis permanecem: Vingadores e Homem-Formiga foram os dois filmes da Marvel, habilmente satirizada por Birdman, de Iñárritu. Mas agora também ao lado de personagens que satirizam James Bond, Kingsman e A espiã que sabia de menos. E, se Kylo Ren e Rey lutavam numa nova geração, parece que no início do ano os Wachowski ainda tentavam rever os rumos de sua trajetória na ficção científica em O destino de Júpiter.
Muitos cineastas continuam produzindo em grande escala, como Woody Allen em Homem irracional; Tim Burton em Grandes olhos; Guillermo del Toro com A colina escarlate; David Cronenberg com Mapas para as estrelas; Clint Eastwood em Sniper americano; Ridley Scott em Perdido em Marte; M. Night Shyamalan em A visita; Denis Villeneuve em Sicario – Terra de ninguém. Noah Baumbach regressou com dois filmes, Mistress America e Enquanto somos jovens, e Angelina Jolie se firmou com Invencível e À beira mar como uma cineasta de visão intimista.
O cinema europeu esteve também em grande escala em salas de cinema de art house com peças da Suécia, França, Itália, Inglaterra… O cinema brasileiro teve como seu principal representante Que horas ela volta? em premiações no exterior, no entanto teve outras peças de destaque, como Casa grande e Ponte aérea.

Dostoiévski pôde ser encontrado numa Londres neofuturista em O duplo e no professor atormentado de Homem irracional, enquanto Frank tentou visualizar uma espécie de gênio musical à margem, como o protagonista de Eden. Tivemos a história do equilibrista Philippe Petit em A travessia, enquanto Louis Zamperini, herói de guerra, esteve em Invencível, e Alan Turing, criador do código que ajudou no fim da Segunda Guerra, em O jogo da imitação. A fantasia dos games invadiu a realidade em Pixels, enquanto o casal de American Ultra partiu da fantasia para uma realidade envolvendo um exército treinado e o casal de Sob o mesmo céu tentou enfrentar a ameaça atômica a partir da crença em si mesmo. Hollywood foi novamente desconstruída não apenas em Birdman, como também em Mapas para as estrelas e Acima das nuvens, enquanto a trabalhadora feita por Cotillard em Dois dias, uma noite gostaria de sonhar com algo mais acessível do que o estrelato. Se a fantasia de O conto da princesa Kaguya sai das páginas orientais, a de J.M. Barrie se mostra novamente criativa na nova adaptação de Peter Pan, e No coração do mar mostrou a origem do romance de Herman Melville. A comédia teve bons momentos em Ted 2, Férias frustradas, Um santo vizinho e A espiã que sabia de menos. A juventude tentava desvendar um enigma em tonalidades diferentes tanto em Pássaro branco na nevasca quanto em Cidades de papel e Amizade desfeita, enquanto um grupo de dançarinos fazia sua última turnê em Magic Mike XXL. O 3D foi usado por dois diretores conhecidos por serem de art house, Gaspar Noé (Love) e Jean-Luc Godard (Adeus à linguagem). Formas diferentes de mostrar o amor em Um fim de semana em Paris, Love, Eu estava justamente pensando em você, Enquanto somos jovens, Ponte aérea, Respire, Cidades de papel e no curta antes de Divertida mente, Lava. E fazia algum tempo que não se fazia tantos blockbusters de qualidade, como 007 contra Spectre, Vingadores – Era de Ultron, Star Wars – O despertar da força, Homem-Formiga, Peter Pan, No coração do mar e Jogos vorazes: A esperança – O final.

Os filmes avaliados para as listas estrearam no Brasil entre janeiro e dezembro de 2015, inclusive aqueles indicados ao Oscar de 2014. Não foram avaliados filmes exibidos apenas em festivais ou que estrearam nos Estados Unidos e virão estrear no próximo ano em circuito comercial no Brasil.
O Cinematographe apresenta a seguir listas com menções honrosas, filmes subestimados, apreciados em parte, decepções e/ou superestimados e lançados diretamente em home video. Também há uma lista de filmes não vistos ainda e pelos quais tenho interesse.

Menções honrosas

Frank (Lenny Abrahamson), O duplo (Richard Ayoade), Pássaro branco na nevasca (Gregg Araki), Um fim de semana em Paris (Roger Michell), Homem-Formiga (Peyton Reed), Enquanto somos jovens (Noah Baumbach), Que horas ela volta? (Anna Muylaert), Ted 2 (Seth MacFarlane), Eu estava justamente pensando em você (Sam Esmail), Respire (Mélanie Laurent), Invencível (Angelina Jolie), Homem irracional (Woody Allen), American Ultra – Armados e perigosos (Nima Nourizadeh), Amizade desfeita (Levan Gabriadze), Um santo vizinho (Theodore Melfi), Love (Gaspar Noé), Vingadores – Era de Ultron (Joss Whedon), Sicario – Terra de ninguém (Denis Villeneuve), Cidades de papel (Jake Schreier), Star Wars – O despertar da força (J.J. Abrams), Ponte aérea (Julia Rezende), Sniper americano (Clint Eastwood), A visita (M. Night Shyamalan), Chatô – O rei do Brasil (Guilherme Fontes), A travessia (Robert Zemeckis), Jogos vorazes: A esperança – O final (Francis Lawrence), Timbuktu (Abderrahmane Sissako)

Apreciados em parte

A espiã que sabia de menos (Paul Feig), Divertida mente (Pete Docter e Ronaldo Del Carmen), Perdido em Marte (Ridley Scott), O jogo da imitação (Morten Tyldum),  Kingsman: serviço secreto (Matthew Vaughn), Cobain – Montage of Heck (Brett Morgen), A teoria de tudo (James Marsh), Phoenix (Christian Petzold), Virando a página (Marc Lawrence), Mistress America (Noah Baumbach). Magic Mike XXL (Gregory Jacobs), Golpe duplo (Glenn Ficarra e John Requa), Cinderela (Kenneth Branagh)

Subestimados

Tomorrowland – Um lugar onde nada é impossível (Brad Bird), Poltergeist – O fenômeno (Gil Kennan), Cake – Uma razão para viver (Daniel Barnz), Férias frustradas (John Francis Daley e Jonathan M. Goldstein), Lugares escuros (Gilles Paquet-Brenner), Lava (James Ford Murphy), Pixels – O filme (Chris Columbus), Quarteto fantástico (Josh Trank), Bata antes de entrar (Eli Roth), Grandes olhos (Tim Burton)

Decepções e/ou superestimados

Whiplash – Em busca da perfeição (Damien Chazelle), Adeus à linguagem (Jean-Luc Godard), Foxcatcher – Uma história que chocou o mundo (Bennett Miller), Livre (Jean-Marc Vallée), A pele de Vênus (Roman Polanski), Acima das nuvens (Olivier Assayas), Mad Max – Estrada da fúria (George Miller), O destino de Júpiter (Andy e Lana Wachowski), Ponte dos espiões (Steven Spielberg), Chappie (Neill Blomkamp), Jurassic world – O mundo dos dinossauros (Colin Trevorrow), Parceiras eternas (Susanna Fogel)

Lançados diretamente em home video

Destaques: Palo Alto (Gia Coppola), Hacker (Michael Mann), Top five (Chris Rock), Calvário (John Michael McDonagh), Dope – Um deslize perigoso (Rick Famuyiwa), Duna de Jodorowsky (Frank Pavich)

Decepções: Longe deste insensato mundo (Thomas Vinterberg), O duque de Burgundy (Peter Strickland), Ex-Machina: Instinto artificial (Alex Garland)

Ainda não vistos

O sal da terra (Juliano Ribeiro Salgado e Wim Wenders), A gangue (Miroslav Slaboshpitsky), Expresso do amanhã (Joon-ho Bong) Táxi Teerã (Jafar Panahi), Mia Madre (Nanni Moretti), Jornada ao oeste (Tsai Ming-liang), Dheepan – O refúgio (Jacques Audiard)

A seguir, a lista do Cinematographe com os 20 melhores filmes de 2015. Junto com ela, agradeço por sua leitura e companhia durante o ano.

Ron Howard mostra a origem do romance Moby Dick, de Herman Melville, num filme a respeito da sobrevivência em alto-mar, depois que a tripulação que empreende uma caça às baleias é perseguida por uma, a fim de extingui-la. Com grandes efeitos especiais e uma atuação segura de Chris Hemsworth, No coração do mar tem ainda uma belíssima parte técnica de reconstituição de época.

Num escopo abrangente, Joe Wright trabalha com imagens como se fossem resquícios de uma infância perdida, seja no vislumbre de um navio de pirata encalhado ou em pássaros gigantes que parecem trazer apenas seu esqueleto como se fossem esboços inacabados, ou simples caravelas que flutuam no espaço e parecem vigiar com luzes à noite como se estivéssemos numa versão adiantada do novo Blade Runner.

Trabalho mais sólido de James Bond desde 007 – A serviço secreto de sua majestade, 007 contra Spectre agita todos os medos que cercam o personagem principal e entrega uma atuação mais uma vez convincente de Daniel Craig, assim como do vilão feito por Cristophe Waltz. Cenas de ação muito bem filmadas e um design de produção e fotografia fantásticos tornam este num dos grandes filmes sobre o agente secreto britânico.

Embora Robert Pattinson aqui não seja o principal nome, trata-se de um dos filmes mais originais de David Cronenberg, pois parece tratar dos costumes de Hollywood sem exatamente ser linear ou investir na estranheza evidente, e até rotulada, trazida pelo cineasta. Ou seja, a partir de determinado ponto, a obra do diretor só teria realmente qualidade se mostrasse o que mostra na maioria de seus filmes: coisas estranhas acontecendo como se fossem normais. Nesse sentido, Mapas para as estrelas pode se ressentir de seres humanos se transformando em insetos. Mas tem Julianne Moore em sua melhor forma.

Para os Dardenne, contra a presença opressiva da situação humana, a saída pode ser a escolha de um rock no rádio do carro. Momentos que parecem efêmeros e dispensáveis são o que tornam, como parece sempre acontecer na obra dos irmãos belgas, Dois dias, uma noite em uma obra de grande sensibilidade.

Todos os simbolismos parecem acertados, como a analogia entre os rochedos e o mar, a vegetação e o céu, lembrando, a partir de determinado momento, um pouco Walkabout, de Nicolas Roeg, desta vez com a presença do europeu na América Latina. Na parte final, o diálogo parece extensivo com Tarkovsky, no plano do cinema, e com a literatura de Borges, e novamente a fotografia de Salminen registra uma época sem tempo definido, como a própria sensação que traz o filme ao longo de sua narrativa.

Quando surgem alguns materiais expositivos sobre a situação econômica e financeira, Casa Grande talvez perca um pouco de sua intensidade, no entanto não me parecem exatamente redutores, pois representam um certo discurso com o qual se pode concordar ou não. O roteiro, de qualquer modo, não leva o público a se certificar de que suas ideias estão sendo colocadas em prática. Se há uma questão também histórica em cena, Casa Grande não tenta solucioná-la, e esta é uma de suas maiores virtudes.

Animação das mais delicadas, produzida pelo mesmo Studio Ghibli de Miyazaki, O conto da princesa Kaguya lida com sensações como a infância, a vida adulta e a importância de se ter sonhos reais para que a fantasia seja mais duradoura. Com traços poéticos, o desenho de Isao Takahata tem um dos atos finais mais contemplativos do ano.

Corrente do mal nunca sossega ou deixa o espectador confiante do que está vendo: ele mostra que a realidade pode ser dispersa e incômoda quando não se encontra um ponto de encontro. É interessante como ele pode apontar um desejo de dialogar com a necessidade de se ter um afeto e o que ele pode trazer em termos de compartilhamento entre pessoas. Em Corrente do mal, os jovens estão a um passo da vida adulta, e eles precisam estar preparados para carregar o que desconhecem e não têm explicação. Isso, para Mitchell, cria a mesma sensação de medo e pavor de seu filme.

O ano mais violento reserva espaço sobretudo para quem não se deixa por um thriller que traga as peças pré-encaixadas, sem desenvolver a faceta psicológica do que desenvolve em sua narrativa: é um filme em parte difícil, pela própria maneira de apresentar sua trama, e em parte compensador, na medida em que oferece realmente um cinema capaz de surpreender.

Mais do que tudo, À beira mar é sobre a perda de uma juventude e o encontro com uma possível melancolia da qual é preciso sair quando se tem ainda vigor e vontade. Esse é um registro arriscado de Jolie Pitt, mais próximo do cinema europeu, não apenas de Rohmer, como de Antonioni, e serve como uma espécie de assinatura de seus conceitos como diretora, que deseja seguir uma linha certamente independente, mesmo com a possibilidade de fazer apenas outros filmes que sigam a um Sr. e Sra. Smith. É um filme sobre o significado que move um casal, sobre suas ambições e seus receios de se encontrar.

Força maior parte de um acontecimento ameaçador da natureza para mostrar o desequilíbrio das relações, e o quanto um determinado instante pode ser acompanhado apenas pelo instinto momentâneo, assim como uma simples conversa entre pessoas pode expor toda uma relação.

Nos momentos em que o cineasta trabalha com imagens como se fossem símbolos – Edith caminhando pela casa escura com um candelabro atrás da infância que parece ter perdido ameaçada por fantasmas, o barro vermelho querendo sair à superfície, o fantasma como uma ameaça ao longe –, A colina escarlate chega ao que mais imaginava: é resultado de um diretor que entende substancialmente da fantasia e de temores humanos que podem existir nela.

Ao contrário dos filmes anteriores de Cameron Crowe, principalmente Compramos um zoológico, não há uma reiteração do que a história se propõe; é mais fácil perceber, em Sob o mesmo céu, uma opção pela sugestão e por comportamentos estranhos e, algumas vezes, inexplicáveis. Ainda assim, esse caminho não se sente deslocado, mas parte de uma narrativa que se permite a discutir questões românticas e familiares sob o ponto de vista de condução do mundo, ou seja, procurando descobrir para onde ele segue.

Depois de receber o prêmio de melhor filme em Veneza, Um pombo pousou num galho refletindo sobre a existência passou a ter maior destaque. Com direção do sueco Roy Andersson, trata-se de uma das peças mais surrealistas já feitas depois dos filmes de Buñuel, uma espécie de A árvore da vida com quadros estáticos e tentando reunir características que sintetizem a existência humana.

O mais surpreendente no filme de Ceylan é que os seus núcleos dramáticos alcançam uma fluidez rara e as mais de três horas, se o espectador consegue se interessar pelos diálogos, transcorrem rapidamente. Desse modo, Winter sleep, com o auxílio ainda da fotografia de Gökhan Tiryaki, o mesmo de Climas e Era uma vez na Anatólia, é grande cinema. Ceylan tem um talento especial – e nisso talvez Distante continue sendo sua principal obra – para enquadrar as imagens como se fossem realmente pinturas, não apenas pela lentidão da sua narrativa, como pelo cuidado em expor cada um de seus personagens em cena.

Representante da Rússia no Oscar de filme estrangeiro e vencedor do Globo de Ouro, Leviatã talvez seja o filme mais melancólico deste início de ano, no sentido de que faz um retrato direto de seu país de origem, pela quantidade de personagens envolvidos por uma situação delicada, e consegue, em igual tom, ser uma sátira direta a certo comportamento humano ligado ao Estado e aos meios que este domina.

Conhecido como o filme que trataria do Daft Punk, Eden certamente não se restringe a isso. Nascida no início dos anos 80, Mia Hansen-Løve, depois de Os pais de meus filhos e Adeus, primeiro amor, comprova ser uma cineasta claramente contemporânea: ela não está interessada em tecer elos óbvios entre os personagens, deixando a cargo do espectador selecionar uma narrativa das imagens.

Um dos componentes mais interessantes de Birdman é justamente ser um filme que mostra uma peça teatral baseada em “Do que falamos quando falamos de amor”, de Raymond Carver, em que temos alguns temas suscitados ao longo de sua história: a relação problemática entre o homem e a mulher e, sobretudo, a vida como um limite tênue com o desespero e a busca pela personalidade. No entanto, a obra de Iñárritu não se sustenta apenas por ser um filme de referências e autorreferências, ainda que uma conversa no início remeta a Roland Barthes, um dos teóricos da metalinguagem.

Paul Thomas Anderson respeita o romance que lhe serve de inspiração na mesma medida que lança seu olhar próprio: os zooms lentos sobre cada personagem em algumas situações, além de remeterem a Altman, mais claramente, possuem a técnica de exatamente diminuir a velocidade da prosa de Pynchon. Desse modo, o que Anderson faz não é exatamente fácil: ele retira todo o movimento dito moderno de Pynchon e coloca suas figuras, com jeito de estarem nas praias californianas, situadas entre tramas estranhas e distantes da realidade. Há um choque – e nisso se concentra a especialidade de Vício inerente. Sem deixar de ser fiel ao livro, o filme de Anderson é outra energia, como diria seu personagem principal, o detetive e hippie juramentado Doc Sportello.