O círculo (2017)

Por André Dick

O diretor James Ponsoldt realizou dois ótimos filmes, O maravilhoso agora, sobre os conflitos amorosos na juventude, e O fim da turnê, tratando da relação entre um jornalista e seu entrevistado, um autor de determinado romance que o consagrou. Agora, em O círculo, ele ingressa num tema provocativo: a influência da tecnologia no dia a dia das pessoas. Ele mexe com um tema sensível, que costuma despertar críticas. Todos talvez lembrem de Homens, mulheres e filhos, no qual uma análise sobre a tecnologia era vista como uma espécie de aceno ao retrocesso, ou seja, a visão do filme seria a condenação àquilo que exatamente apenas analisa, junto com sua interação social. Tornou-se o “pior filme” da trajetória de Jason Reitman, embora seja excelente. O círculo não foge à regra: as críticas parecem ecoar mais o descontentamento que há com seu tema do que com o resultado em si.
Emma Watson interpreta Mae Holland, uma jovem que consegue trabalho no Circle, uma empresa de internet fundada por Eamon Bailey (Tom Hanks) e Tom Stenton (Patton Oswalt). Lá, ela conhece Ty Lafitte (John Boyega), uma figura enigmática, e intensifica sua amizade com Annie Allerton (Karen Gillan). No entanto, acaba se afastando de Mercer (Ellar Coltrane, de Boyhood), um amigo de infância, enquanto tenta manter vínculo com os pais, Vinnie (Bill Patxon) e Bonnie (Glenne Headly).

A empresa, com seu domínio sobre as pessoas, torna Mae uma referência – sua vida passa a ser acompanhada on-line, por meio de uma minúscula câmera. Neste ponto, o filme se parece mais com O show de Truman do que com A rede social, e Watson tenta manter um equilíbrio em sua atuação, que às vezes fica menos interessante do que poderia. Os gráficos das mensagens recebidas lembram muito os de Homens, mulheres e filhos, aparecendo na tela como quase personagens. Ponsoldt utiliza Mae como o símbolo do funcionário que precisa se submeter completamente à sua empresa para se sentir recompensada. Bailey e Stenton estão interessados no fato de que as pessoas não possam ter mais exatamente uma privacidade, e sim um compartilhamento. Há nisso, com certeza, uma crítica embutida às redes sociais, nas quais o usuário algumas vezes perde o limite entre público e privado.
Não se trata nada novo, mas Ponsoldt não é tão óbvio quanto aparenta, nem o roteiro de Eggers, autor também do livro em que o filme se baseia: Mae está em busca de uma segurança na vida pessoal e de se afastar dos problemas dos pais. Para isso, ela escolhe a Circle e o lazer com um caiaque. “Eu me sinto melhor quando estou sendo vigiada”, diz ela em determinado momento. Em outro, ela sugere que a Circle possa ser um papel decisivo nas eleições do país. Tudo exatamente para fugir do fato de que não consegue estabelecer mais ligação com seus pais e se afastou do melhor amigo de infância.

No início, quando ele vem ajudá-la a consertar um problema no carro, Mae lhe diz que vai ligar, mas ele pergunta por que eles não conversam exatamente naquele momento. É como se ela estivesse sempre adiando o encontro com suas próprias escolhas. Esse traço já existia no personagem central de O maravilhoso agora, assim como no escritor de O fim da turnê: o comportamento de ambos era sempre se refugiar em um motivo externo para a existência que não incluísse exatamente se definir pelo mais apropriado. Se Emma não consegue lidar suficientemente com as nuances da personagem – e neste ano ela teve um mau momento como atriz em A bela e a fera, contrariando suas atuações em As vantagens de ser invisível e Bling Ring –, ao menos sustenta a atenção com sua empatia. Em suas conversas com Lafitte e Annie há uma vulnerabilidade de uma pessoa desprendida da própria existência e não parece por acaso que ambos os personagens que se comportam como seus amigos parecem não existir dentro da empresa, vagando de forma solitária.
Hanks tem uma grande atuação, como é de praxe em sua carreira, fazendo uma figura ambígua e que lida com questões morais e particulares, trazendo muito do próprio Jobs para a maneira como apresenta as novidades tecnológicas de sua empresa.

Mesmo sem ser intenso como poderia, O círculo é um filme bastante agradável.  A maioria das cenas tem uma boa atmosfera, com uma interessante ligação de Mae com seus pais, em ótimas atuações de Headly e Paxton (ambos, infelizmente, faleceram recentemente), embora Coltrane, tão bom ator em Boyhood, seja severamente subutilizado, tal como John Boyega, e por vezes mal dirigido. A fotografia de Matthew Libatique consegue transitar entre a alta tecnologia e a natureza campestre (o deslocamento da amiga de Mae para a Escócia), mesmo que a trilha sonora de Danny Elfman não seja efetiva como a maior parte dos trabalhos do compositor (e a melhor participação musical seja de Beck). O círculo se sente bem desenvolvido principalmente em sua primeira metade, tendo uma leve queda na segunda parte, até atingir um final para o qual convergem os principais personagens, no qual Ponsoldt faz o que Danny Boyle tentou em Steve Jobs sem conseguir: sua crítica à tecnologia é a própria aceitação que se tem dela muitas vezes sem analisar o contexto e mostra que muitas vezes o indivíduo, ao querer se sentir observado, quer apenas se afastar de si mesmo, de acordo com a ideia de mundo contemporâneo. O que importa neste caso não é a lição de moral previsível implicada e sim a necessidade de existir fora do próprio círculo de amigos e familiares como ponto vital para a própria sobrevivência. No entanto, os drones que surgem em dois momentos-chave indicam: esse universo pode sempre trazer a lembrança do que se fez a alguém próximo, no caso de Mae. Para Ponsoldt, tudo é circular.

The circle, EUA, 2017 Direção: James Ponsoldt Elenco: Tom Hanks, Emma Watson, Glenne Headly, Bill Paxton, Ellar Coltrane, Karen Gillan, Patton Oswalt, John Boyega Roteiro: Dave Eggers, James Ponsoldt Fotografia: Matthew Libatique Trilha Sonora: Danny Elfman Produção: Anthony Bregman, Gary Goetzman, James Ponsoldt, Tom Hanks Duração: 109 min. Distribuidora: Imagem Filmes Estúdio: Imagenation Abu Dhabi FZ / Likely Story / Playtone

Um holograma para o rei (2016)

Por André Dick

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Com direção de Tom Tykwer, o alemão que se lançou ao mercado internacional através do excelente Corra, Lola, corra e depois fez experimentos como Perfume e Trama internacional, além da obra-prima Cloud Atlas, ao lado das hoje irmãs Wachowski, o lançamento de Um holograma para o rei (que recebeu um título no mínimo excêntrico no Brasil, Negócio das Arábias, o qual deveria ser revisto para o mercado de home video) se faz em meio a outros que mostram o contato da cultura norte-americana com países do Oriente Médio, que até pouco tempo eram focados pelo cinema quase apenas em cenários de guerra. Ele se enquadra no mesmo gênero em que circulam Rock em Cabul e Whiskey Tango Foxtrot (este ainda inédito no Brasil), aqui tratando de um consultor, Adam Clay (Tom Hanks), que viaja para Arábia Saudita a fim de vender um sistema holográfico para um determinado rei, com pretensão de construir uma enorme cidade até 2025 ao redor de seu palácio interminável. Esta cidade é como se fosse também sua saída financeira e sua tentativa de viver um novo período de sua vida.

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Tendo contato problemático com a filha Kit (Tracy Fairaway) a distância, por meio do computador, Clay se separou da esposa – o início do filme tem “Once in a Lifetime”, dos Talking Heads enquanto o personagem caminha por um jardim esverdeado e sua família vai desaparecendo em explosões de fumaça, como se estivesse em uma propaganda nos moldes da pop art –, e está em Jeddah por justificar uma aproximação antiga com o sobrinho do rei. Com um problema de saúde em suas costas, Clay se desespera ao ver que sua equipe, formada por Brad (David Menkin), Cayley (Christy Meyer) e Rachel (Megan Maczko), não tem o suporte necessário (como wi-fi, alimentação e ar-condicionado) para fazer o empreendimento ir adiante e nunca consegue uma reunião com o rei, sempre em viagem. No entanto, ele tem contato com três figuras singulares: primeiro, Yousef (Alexander Black), o motorista que o leva de um lado para outro, às vezes colocando músicas que o desagradam; em segundo, a consultora dinamarquesa, Hanne (Sidse Babett Knudsen, de O duque de Burgundy), com algumas dicas para driblar o jet lag; e, finalmente, a médica Zahra (Sarita Choudhury), que o atende. Já seu pai, Ron (Tom Skerrit), é o retrato daquele que viu seu filho perder os negócios na empresa Schwinn em plena recessão dos Estados Unidos.

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Tykwer é um cineasta normalmente interessado pela velocidade do mundo contemporâneo – o que acontece literalmente em seu Corra, Lola, corra – e mais uma vez, por meio da montagem de Alexander Berner, o mesmo de Cloud Atlas, mostra uma estranheza nas transições do personagem de Hanks: os flashbacks que se espalham na narrativa principalmente na meia hora inicial são muito interessantes. Baseando-se numa atuação excepcional do ator americano, ele o coloca em situações dramáticas sobre a própria vida que levam sempre à consideração de que a viagem ao Oriente Médio é, afinal, uma viagem às verdadeiras origens sob o ângulo sentimental.
Desapegado do país de onde veio, sem ter ao certo para quem voltar, Clay reivindica uma nova descoberta para si mesmo num país estrangeiro. Tykwer tem como base o romance de David Edggers, ao qual ele incorpora seu estilo de cenas compactadas e que fluem com um grande ritmo e senso de espaço, não apenas quando mostra Clay em seu quarto de hotel, e sim quando o coloca inicialmente num cotidiano maçante, no qual não parece ter a tranquilidade necessária para fazer avançar seus objetivos. Esse cotidiano só é quebrado por uma festa numa determinada embaixada, em que se vê às voltas com uma situação inesperada, e por uma visita a um dos prédios da grande cidade em construção, onde ele passa de uma briga entre operários a uma sala perfeita em simetria e paisagem. Nesse sentido, parece que Clay está entre o que está sendo construído e o que ainda virá a ser. Uma viagem determinada que se encerra com uma ameaça ao ser confundido com alguém inapropriado é outro instante de movimento nesse universo desconhecido, numa das obras mais convincentes dos últimos anos sobre um homem se sentir deslocado e tentando se adaptar a uma situação.

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Notável como Tykwer conseguiu realizar um filme aparentemente simples, mas muito mais relacionado com Cloud Atlas do que as Wachowski em O destino de Júpiter. Ou seja, Um holograma para o rei tem uma base de movimento mais ligada à humanidade e humanização do que possa aparentar. As relações de Clay com o universo do Oriente Médio não se sentem corrosivas como em Rock em Cabul ou Whiskey Tango Foxtrot, e carregam um toque existencial a cada vez que Hanks consegue expor reais sentimentos com seu personagem, auxiliado por grandes coadjuvantes, a exemplo de Black e Sarita Choudhury. Das atuações que teve depois de Náufrago, foi com Tykwer, em Cloud Atlas e aqui, que ele conseguiu realmente desempenhar papéis com ressonância real, embora o investigador de Prenda-me se for capaz, de Spielberg, e o criador da Disney em Walt nos bastidores de Mary Poppins, também sejam interessantes. Há uma cena específica em que Tykwer precisa mostrar o rosto de Hanks voltado para baixo e o ator consegue demonstrar toda sua emoção junto com recursos de montagem que levam Um holograma para o rei a uma autodescoberta pessoal. Quando ele passa a notar as grandes questões que o levaram até ali, finalmente a história adquire sua grandeza. Em determinado momento, isso se torna ainda mais notável à medida que Tykwer parte de uma pintura, como Adam visualizava até então o mundo, para um mar de verdade. O contraste entre o deserto extenso e a água e os corais desenha não apenas uma ligação, mas um complemento capaz de transformar sua vida.

A hologram for the king, ALE/EUA/Reino Unido, 2016 Diretor: Tom Tykwer Elenco: Tom Hanks, Sarita Choudhury, Tom Skerritt, Dhaffer L’Abidine, Tracey Fairaway, David Menkin, Lewis Rainer, Khalid Laith Roteiro: Tom Tykwer Fotografia: Frank Griebe Trilha Sonora: Johnny Klimek, Tom Tykwer Produção: Arcadiy Golubovich, Gary Goetzman, Stefan Arndt, Tim O’Hair, Uwe Schott Duração: 98 min. Distribuidora: Mares Filmes Estúdio: 22h22 / Fábrica de Cine / Playtone / Primeridian Entertainment / X-Filme Creative Pool

Cotação 4 estrelas

Ponte dos espiões (2015)

Por André Dick

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O diretor Steven Spielberg é um dos grandes nomes indiscutíveis do cinema. Ter realizado Encurralado, Tubarão e Contatos imediatos do terceiro grau nos anos 70, e Os caçadores da arca perdida, E.T., A cor púrpura e Império do sol nos anos 80 já é motivo suficiente para ter seu nome entre os maiores da história. No entanto, a partir dos anos 90, mais especificamente depois de Jurassic Park, Spielberg foi aos poucos se afastando do gênero da fantasia e mais fantástico – no qual se destacou também como produtor –, incorporando filmes com elementos históricos, a exemplo de A lista de Schindler, Amistad e O resgate do soldado Ryan. Nos anos 2000, apesar de fazer algumas ficções referenciais, como Inteligência artificialMinority Report e Guerra dos mundos, o tom era sempre soturno, alternando novamente com filmes sobre questões históricas, entre os quais Munique, com alguma folga aventuresca em Indiana Jones e o reino da caveira de cristal. Um respiro original foi sua parceria com DiCaprio em Prenda-me se for capaz e o dramático e cômico O terminal.
Neste início de década, ele apresentou mais dois filmes, dois mais dramáticos, Cavalo de guerra e Lincoln, e uma bela animação, As aventuras de Tintim. Era momento, portanto, de voltar ao drama histórico, o que ele faz com Ponte dos espiões. Esta tendência de Spielberg de alternar fantasia – as últimas vezes em escala soturna, exceto para a aventura de Indiana e a animação com Tintim – com filmes com pano de fundo histórico não o tornou exatamente um cineasta previsível, no entanto parece bem mais acomodado.

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Ele parece reunir a mesma equipe (fotógrafo, montador e aqui apenas se ausentou John Williams da trilha sonora) e, inclusive, um ator recorrente em sua filmografia (Tom Hanks, já presente em O resgate do soldado Ryan, Prenda-me se for capaz e O terminal) para entregar um drama bem feito, no entanto perfeitamente previsível dentro de seu esquema como grande diretor de Hollywood. Infelizmente, Ponte dos espiões se ressente não de um grande elenco e de uma grande produção, e sim de ideias que possam comover mais o espectador.
É a história de Rudolf Abel,  preso em 1957 no Brooklyn, enquanto faz o que mais gosta: pintar.  No entanto, ele é visto como um possível espião da KGB, e os agentes recolhem tudo o que pode comprometê-lo. Para sua defesa, é chamado James B. Donovan (Tom  Hanks), especialista em contratos de seguros, com o intuito de os Estados Unidos mostrarem que trazem um julgamento justo. Ninguém espera o que Donovan faz: realmente defender Rudolf Abel, por ter uma simpatia especial por ele. Este é o lado spielberguiano de Ponte dos espiões: nunca fica muito claro por que Donovan fica tão devotado a Abel, além daquilo que vemos: o público toma uma aversão por ele, mas Donovan continua a querer provar que seu cliente é inocente, sem querer saber se é um espião ou não; para ele, isso não importa.

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Ele vai ao juiz do caso, Mortimer W. Byers (Dakin Matthews), para pedir uma suspensão de pena, imaginando uma situação mais adiante. Em meio a isso, o soldado Francis Gary Powers (Austin Stowell) sofre um acidente de avião e é capturado pelos russos, sendo submetido a interrogatórios diários. Do mesmo modo, Spielberg mostra Frederic Pryor (Will Rogers), estudante de economia americana, que, ao visitar sua namorada em Berlim Oriental, passa pela experiência da construção do muro, e acaba sendo preso. Spielberg vai mostrar daqui em diante o que essas experiências têm a ver com a Rudolf Abel, e o que Donovan terá de fazer para que as pessoas no trem que pega diariamente parem de observá-lo com condenação.
Do início ao fim, Ponte dos espiões é um típico filme do Spielberg mais maniqueísta: Donovan é o exemplo de idealista, capaz de fazer justiça por todos os meios. Para ele, tudo pode ser resolvido no diálogo, tanto que ele seja ouvido, e trata-se, por causa de Hanks, num personagem fascinante, embora sem muitas nuances. Em se tratando de um personagem real, Donovan, no entanto, fica no meio-termo quando passa a ser peça de um jogo maior, a Guerra Fria entre os Estados Unidos e a União Soviética. Não há, aqui, os detalhes emocionais que vemos em A lista de Schindler, Soldado Ryan, mesmo no mais recente Lincoln (no qual Day-Lewis dava um componente mais altivo ao presidente americano) e outras peças dramáticas de Spielberg: tudo é levado de forma mais ou menos dispersa, sem os graus de tensão necessários, a não ser em seus primeiros 40 minutos, que lembraram muito o ritmo do excepcional JFK, de Oliver Stone, inclusive pelos cenários soturnos e pela relação de Donovan com a família.

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Há uma influência clara, na maneira de filmar, de Petzold, principalmente de Barbara e Phoenix, assim como de O espião que sabia demais, mas falta a Spielberg um ponto maior no que diz respeito à construção subjetiva dos personagens. Há sempre um pouco de de previsibilidade em cada um deles, e principalmente Abel não tem seus caracteres elaborados, o que é uma pena, em razão de Mark Rylance, cuja atuação fica tremendamente superestimada pelo tempo de duração e o roteiro. Thomas Waters, o chefe de Donovan, feito por um subaproveitado Alan Alda, é também o limite do maniqueísmo, ao mesmo tempo que Jesse Plemons é desperdiçado como Murphy, amigo de Powers. No entanto, existe em torno dos personagens uma atmosfera maravilhosa de época, uma grande reconstituição em detalhes, principalmente nos figurinos e no comportamento gestual dos atores e personagens. Houve realmente um estudo.minucioso da época em que o filme se passa, sempre uma característica dos filmes de Spielberg: o espectador fica imerso nas imagens. Por outro lado, essas imagens parecem apresentar os personagens a certa distância, em que nunca ganham a verdadeira importância. O roteiro, assinado também pelos irmãos Joel e Ethan Coen (que parecem emprestar sua assinatura a filmes históricos feitos por outros diretores, tomando como exemplo Invencível), não chega a trabalhar exatamente o terceiro ato, tornando tudo algo muito próximo de uma fantasia e não exatamente de um filme com certa legitimidade histórica. Muito tem se dito sobre o patriotismo de Ponte dos espiões: isto não é exclusividade do filme, e sim do cinema-norte-americano e não seria uma falha se tivesse um ponto de vista mais interessante. Spielberg tem uma verdadeira paixão pelo cinema e por filmar. Quando ele acredita estar mostrando algo espetacular, é seu problema: ele consegue atingir este limite quando não tem essa pretensão.

Bridge of spies, EUA, 2015 Diretor: Steven Spielberg Elenco: Tom Hanks, Mark Rylance, Sebastian Koch, Amy Ryan, Scott Shepherd, Alan Alda, Austin Stowell, Mikhail Gorevoy, Jesse Plemons, Dakin Matthews  Roteiro: Ethan Coen, Joel Coen, Matt Charman Produção: Kristie Macosko Krieger, Marc Platt, Steven Spielberg Fotografia: Janusz Kaminski Trilha Sonora: Thomas Newman Duração: 141 min. Distribuidora: Fox Film Estúdio: DreamWorks SKG / Fox 2000 Pictures / Marc Platt Productions / Participant Media

Cotação 2 estrelas e meia 

Walt nos bastidores de Mary Poppins (2013)

Por André Dick

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Com a temporada de possíveis indicados ao Oscar em alta, durante o final de cada ano, há sempre algum filme que acaba por simbolizar aquela característica que a premiação tentaria deixar para trás: o intitulado melodrama capaz de manipular o espectador. Se ainda, com essa manipulação, tivermos paisagens ensolaradas, pessoas parecendo viver num ambiente paralelo, e o Mickey Mouse em cima da cadeira mais próxima, soando como uma autopropaganda incômoda em alguns momentos, este filme pode correr o risco de ser visto exatamente com mais um passatempo descartável e esquecido de categorias consideradas mais importantes. Walt nos bastidores de Mary Poppins foi o filme que representou, este ano, o anseio de a Academia negar aquilo que costuma se ter como exemplo de Oscar. Mesmo precedido por premiações como o Globo de Ouro, que indicou Emma Thompson como melhor atriz, ele nos deixou em dúvida, já pelo trailer, se seria um convite irrecusável a sair da frente da tela.
Emma faz a escritora P.L.Travers, autora de Mary Poppins, que é procurada durante décadas por Walt Disney, a fim de que ceda os direitos de sua obra para uma adaptação. No entanto, a Califórnia está longe de ser o lugar ideal para ela. Incomodada pelo editor, que considera sua decisão de não publicar mais livros e depender de direitos autorais, equivocada, ela precisa reencontrar o Mr. Banks de Mary Poppins na figura do então midas de Hollywood, Disney (Tom Hanks). Chegando aos estúdios com o motorista, Ralph (Paul Giamatti), é claro que ela irá maltratar a todos que encontra pela frente, inclusive o roteirista da adaptação, Don DaGradi (Bradley Withford), e a dupla que fará as canções do filme, Robert (B.J. Novak) e Richard Sherman (Jason Schwartzman). Travers, no entanto, não deseja músicas na transposição para o cinema e, principalmente, desenhos animados. O mais delicado, ainda, é que ela não deseja assinar o contrato cedendo os direitos autorais.

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Dizer que o diretor John Lee Hancock faz uso de várias referências à obra de Robert Stevenson, indicada ao Oscar de melhor filme em 1965, seria natural, e mais ainda os embates entre Travers e equipe que constitui o projeto. Ela pode tanto querer outro ator para o papel principal quanto desejar que não haja uma determinada cor durante todo o filme. Hancock, no entanto, em meio a isso, desenha – em ritmo de filme da Disney (sem nenhuma ambientação escura) – um paralelo com a história da infância da escritora, na qual a atriz Annie Rose Buckley desempenha o papel, em que seu pai, Travers Goff (Colin Farrell), passa por problemas em seu emprego e com suas escolhas, diante de conflitos com a esposa, Margaret (Ruth Wilson). Parece, a princípio, um elemento deslocado na narrativa, fazendo com que haja vários flashbacks, mas, aos poucos, a montagem consegue encaixar de maneira mais desenvolta esse paralelo e, aqui, apesar de elementos atenuados pelo estilo Disney, pode-se dizer que o filme passa de apenas um símbolo do escapismo e da dedicação exclusiva à arte para uma humanidade e a redescoberta da infância sob um novo olhar – principalmente num flashback que se alterna com determinada reunião em que se cria uma canção para Mary Poppins. Hancock torna o ponto central a maneira como se recria a memória por meio da arte, e como esta pode se desviar da verdadeira história. Embora em alguns momentos esse excesso nostálgico prejudique, em detrimento da presença dos irmãos Sherman e de Walt Disney, o filme de Hancock acaba dosando de modo interessante os elementos.
Seria injusto não lembrar o quanto Mary Poppins remete à infância e às primeiras idas à locadora para reconhecer filmes que não podiam ser vistos no cinema, e o quanto o filme consegue lidar com essa atmosfera capaz de despertar a imaginação. Algumas obras dos estúdios Disney simbolizam essas características, sobretudo quando trazem astros em grande momento, como Julie Andrews (vencedora do Oscar de atriz pelo papel), e Mary Poppins é uma espécie de referencial, principalmente por sua influência no cinema ao misturar atores reais com desenhos animais, o que também lhe valeria um Oscar de efeitos especiais. O que o filme de Hancock faz é traçar como a imaginação despertada por esse filme pode estar ligada a também várias negações e embates de seus envolvidos, sem conduzir para um ambiente autoindulgente, em que as conversas desaparecem com a metalinguagem. Quando Travers e Disney conversam, não temos exatamente um aprofundamento nessa caracterização de que a obra pode estar ligada à vida e vice-versa, mas do quanto ideias como essa são esquecidas em nome de uma denominada grande beleza. Em suma, Walt nos bastidores de Mary Poppins não seria mais do que um drama que pode ser considerado comum, com alguns lances de emoção certamente inevitáveis, mas que servem ao fato de a obra conseguir chegar a um objetivo, e este corresponde não apenas ao apelo dos bonecos Disney, como o filme pode deixar desastradamente subentendido, mas à própria infância – e certamente não seria mais questionável do que filmes que querem se tornar herméticos, sem êxito, e pretensamente contidos porque não possuem o que dizer.

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É interessante como um filme no estilo de Walt nos bastidores de Mary Poppins pode ser visto apenas como sentimental. Não raro isso abre um espaço para aquilo que deve ser, na verdade, questionado em filmes cuja elaboração e pretensão se fixam num discurso que ronda sempre uma certa amargura visivelmente proposital para incomodar, mesmo que não que seja verdadeira ou se traduza em diálogo com o espectador, mantendo-se sempre perto de um conceito, teoria ou citação para serem cultuados e respeitados. Ou seja, há uma leveza nítida em Walt nos bastidores de Mary Poppins, mas bem menos prejudicial do que uma erudição calculada.
E é claro que não se esperaria de uma obra produzida pelos estúdios Disney uma visão negativa do próprio criador – no entanto, o filme também o situa como certamente manipulador em busca de pegar para seu projeto de cinema uma obra alheia. Isso é colocado de maneira sutil, fazendo com que não haja uma condescendência excessiva, embora Mickey Mouse volte à cena de modo deslocado. E Tom Hanks entrega a sua melhor atuação do ano (não a de Capitão Phillips). Sua interação com o elenco é excelente e o filme melhora a cada vez que temos sua presença, mas quem entrega realmente uma atuação primorosa, no sentido de lidar com o roteiro sentimental de modo a tirá-lo de uma aproximação com o drama forçado, é Emma Thompson. Mas ela não funcionaria sem a contrapartida de Hanks e do restante do elenco, principalmente Paul Giamatti, muito bem mesmo com poucas linhas de diálogo, e Jason Schwartzmann, como Richard Sherman, trazendo sua presença bem-humorada que transformou obras como Rushmore e Maria Antonieta. Ou seja, Hancock, roteirista de um dos melhores filmes de Clint Eastwood (Um mundo perfeito) e diretor do superficial Um sonho possível (que deu o Oscar de atriz a Sandra Bullock), é extremamente feliz na escolha deste elenco. Historicamente deslocado, parecendo um filme que habita os anos 1950, com uma direção de arte e figurinos extremamente elaborados, Walt nos bastidores de Mary Poppins é uma agradável surpresa.

Saving Mr. Banks, EUA, 2013 Diretor: John Lee Hancock Elenco: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Annie Rose Buckley, Ruth Wilson, B.J. Novak, Rachel Griffiths, Kathy Baker Roteiro: Kelly Marcel, Sue Smith Fotografia: John Schwartzman Trilha Sonora: Thomas Newman Produção: Alison Owen, Ian Collie, Philip Steuer Duração: 125 min. Distribuidora: Walt Disney Pictures Estúdio: Walt Disney Pictures

Cotação 4 estrelas

Capitão Phillips (2013)

Por André Dick

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Há filmes que são lançados e desde o início possuem ao redor de si um ponto de discussão abrangente e se transformam quase em referenciais, de um momento para outro, em sua tentativa de abordar temas delicados e, sobretudo, consideráveis. São filmes que, de modo geral, possuem uma ampla publicidade, uma dose de boas críticas e, quando se vai a eles, não se sabe até que ponto eles se equivaleram à publicidade ou se realmente contêm algo extraordinário a ser dito. E, quando se vê que eles de fato não parecem ser aquilo que se esperava, talvez a decepção possa ser canalizada para o primeiro blockbuster que surgir, mantendo-os como de fato são (ou se imaginam que sejam): obras raras. Do momento em que foram lançados até o momento em que se aproxima o Oscar, eles podem mesmo ser indicados aos prêmios principais da Academia. Um exemplo máximo poderia ser um determinado filme que apresenta Roma como um lugar de encontro para a melancolia de escritores, outro pode ser aquele documentário em que criminosos são vistos como figuras cinematográficas e andam de carro amarelo pelas ruas da Indonésia (e se alguém considera que Joe Pesci é revoltante em Os bons companheiros pode se ver diante de um novo show, este real, de incômodo) e o mais recente filme do diretor de Bourne, Paul Greengrass, Capitão Phillips, que pode ser visto como um exemplo de filme moderno, com sua progressão de imagens que lembram um documentário em movimento.
Tom Hanks é o Capitão Phillips que deve levar uma carga imensa seu navio Maersk Alabama e precisa passar pelos mares da Somália. O roteiro de Billy Ray, baseado em fato real e no livro de autoria do Capitão, tem seu início em Omã, com o personagem se despedindo da esposa (Catherine Keener), e os rápidos preparativos de viagem. O único problema é que pode haver piratas no trajeto. Eles surgem num grupo liderado por Muse (Barkhad Abdi), com os integrantes Bilal (Barkhad Abdirahman), Elmi (Mahat M. Ali) e Najee (Faysal Ahmed). E o embate passa a ser quem, num ambiente em alto-mar, de fato é o capitão – o mote do filme – e a corrida do bote dos piratas contra o grande navio poderia produzir, como o faz em alguns momentos, um fascinante Davi contra Golias.

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Apesar de admirar Voo United 93, Paul Greengrass localiza sua autoria, aqui, em uma situação em alta voltagem. Em Capitão Phillips, ele mostra uma direção com uma variação de movimentos de câmera, tentando, de certo modo, se desvencilhar da dificuldade em lidar com os temas, sejam políticos ou sociais, que pretende colocar como pano de fundo. É difícil imaginar o que Greengrass quis nesta mistura de fatos reais com elementos do que existe de mais questionável nessa forma de cinema: a maneira patriótica e agressiva como ele filma ou a maneira de manipulação que ele lança sobre esses personagens, principalmente sobre os piratas da Somália. Segundo Greengrass, o objetivo desses piratas por meio do roubo seria viajar para os Estados Unidos. Os Estados Unidos permitirão isso? Greengrass tem todas as fontes para responder, mas parece uma difícil escolha.
Não chega a ser o forte de Greengrass a discussão que repercute do relato contado, mas em Voo United 93 tínhamos, ao menos, uma concepção visual de suspense, para a qual convergia o fato histórico. No entanto, Capitão Phillips também não parece funcionar exatamente como ação. Contado como uma espécie de documentário, salvo a presença de Hanks e de Barkhad Abdi (excelente), não há movimento além daquele empregado pela montagem – e um filme que pretende manter 100% de tensão acaba por vê-la diluída, fazendo de sua metade final talvez a peça mais estafante do cinema recente. A emoção costuma surgir de personagens, e não de uma ação e de uma montagem que tenta trazer a emoção: o que parece inexistir em Capitão Phillips é exatamente a ligação entre os personagens, a qual se tenta preencher com movimento. Como Greengrass pretende contar o filme em ritmo de documentário, ele faz com que não nenhuma outra ação interfira naquilo que mostra. Nisto, os personagens da Marinha não recebem um desenvolvimento e a mulher do capitão é vista apenas no início. O que temos é uma câmera em movimento atrás de um grupo de atores que oferece o máximo de si, mas não consegue desenvolver o roteiro de Ray.

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Parece faltar algo: ele, de fato, a não ser que se julgue que Greengrass estabeleceu um novo meio-termo exato entre ficção e documentário, não é um filme realmente acabado, ficando em suspenso. Um exemplo desta falsa ação é o início, passado numa praia da Somália, na qual os personagens para o assalto em alto-mar dão a impressão de serem escolhidos a esmo, em meio a movimentos de câmera com o desejo de passar uma sensação de urgência. O diretor demonstra certo receio de interromper sua narrativa para desenvolver uma porção que seria considerada em demasia cinematográfica ou com possíveis artifícios, e nesse caminho o suspense se esvai. Isto chega à atuação de Tom Hanks, indefinido exatamente entre esses caminhos do filme (e, em se tratando do seu esquecimento no Oscar, não podemos deixar de lado filmes que ele fez nos últimos anos e foram descartados pela Academia, como Cloud Atlas), apenas compensado pela sequência final, de um desespero próximo àquele da praia de Omaha em O resgate do soldado Ryan. Mas é um desfecho visando o Oscar, e nisto acaba também soando menos impactante.
Desde o início de Capitão Phillips, as falhas no roteiro se sobressaem e a maneira com que foi filmado tem o objetivo de tentar escondê-las – e consegue, ao menos nos 30 minutos iniciais, mesmo com seus problemas, por seu apuro exemplar no que diz respeito à divisão entre o que acontece com a tripulação de Phillips e a de Muse. No entanto, quando o capitão Phillips vai pesquisar sobre piratas na Somália em alto-mar parece que o roteiro antecipa tudo; mais delicado ainda quando dorme ao lado da embarcação dos piratas sem insistir na ajuda da Marinha. São lacunas evidentes, e soam mais prejudiciais quando se sabe que o filme foi baseado em fatos acontecidos em 2009. Seria interessante saber se os personagens agiriam realmente desse modo e se as condições do navio são essas que o filme relata, inclusive no contato com uma possível ajuda em situação de desespero. O roteiro de Ray pode se basear em fatos reais, o que não significa que esses fatos estejam menos dispersos. Ao final, a impressão é de que Greengrass ingressou no filme sem saber exatamente o que faria, planejando apenas sobrevoos de câmera sobre embarcações marítimas. Se fosse de outro diretor visto como ainda mais patriótico, talvez fosse considerado terrível, sobretudo mal dirigido. Mas, como é de Greengrass e tem Hanks, a Academia lhe deu uma indicação inexplicável ao Oscar de melhor filme.

Captain Phillips, EUA, 2013 Diretor: Paul Greengrass Elenco: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed, Mahat M. Ali, Michael Chernus, Corey Johnson, Catherine Keener Roteiro: Billy Ray Fotografia: Barry Ackroyd Trilha Sonora: John Powell Produção: Dana Brunetti, Michael De Luca, Scott Rudin Duração: 134 min. Distribuidora: Sony Pictures Estúdio: Michael De Luca Productions / Scott Rudin Productions

Cotação 2 estrelas

Cloud Atlas (2012)

Por André Dick

Cloud Atlas 12

Depois de saírem as indicações ao Oscar esta semana, havia a certeza de que dois filmes foram injustiçados: Moonrise Kingdom e O hobbit. Agora, pode-se dizer que Cloud Atlas – traduzido, de forma estranha, para A viagem no Brasil – é o terceiro. Dirigido pelos irmãos Lana e Andy Wachowski, da trilogia Matrix e Speed Racer, e por Tom Tykwer, de Corra, Lola corra, Cloud Atlas é baseado num romance de David Mitchell e possui uma produção inegavelmente complexa para seu custo (pouco mais de 100 milhões de dólares). É lamentável que tenha obtido até agora uma bilheteria inferior aos gastos, o que se explica pela história realmente mais complexa, mas não pelo elenco e cuidado que vemos na tela. Não se trata exatamente de um épico, apesar de seu cuidado com cada momento histórico retratado e da sua duração (quase 3 horas), e sim de uma produção única que, pela modulação de histórias, vai desde o drama, passando por passagens de comédia, até a ficção científica, além de envolver ideias relacionadas à filosofia e à religiosidade. Tenho desconfiança do que se costuma chamar confuso. Há possibilidade, também, de não se entender nada de filmes como A árvore da vida, Duna e O portal do paraíso, quando o que se vê, com o mínimo de tentativa de compreensão, é perfeitamente inteligível.
Em alguns momentos da montagem de Cloud Atlas, tem-se a impressão que era o desejo que tinha Cristopher Nolan quando editou A origem. No entanto, se Nolan dava credibilidade demais ao discurso sobre os sonhos, os irmãos Lana e Andy Wachowski não tentam demonstrar nenhum discurso que explique o que estão mostrando; pelo contrário, deixam a critério do espectador ligar as pontas, de forma bastante sutil. Mesmo as mensagens que eles distribuem ao longo do filme, e que formam a base da narrativa, não são colocadas de forma reiterativa, a ponto de que identifiquemos nelas alguma explicação para a história. E, se a montagem demora um pouco a fazer sentido e, se em certos momentos algumas cenas não esclarecem umas às outras, temos ainda a sensação de que estamos diante de um experimento cinematográfico que pretende multiplicar vozes e não abafá-las, como no belo As horas, sobre a influência de Virginia Woolf na vida de alguns personagens.

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A história se distribui em seis narrativas, passadas em momentos diferentes. Uma delas ocorre em 1849, quando um jovem advogado, Adam Ewing (Jim Sturgess) precisa viajar para as ilhas Catham, no Pacífico Sul, e, quando vê um escravo ser chicoteado, acaba desmaiando. Daí em diante, mesmo quando parte de viagem em navio de volta para os Estados Unidos, ele fica aos cuidados de Goose (Tom Hanks), que na verdade quer roubar as peças com ouro que possui, inventando que ele possui uma moléstia, e faz amizade com o escravo, Autua (David Gyasi). O mesmo Tom Hanks reaparece como um gângster escritor em 2012. Financiado pelo editor endivididado Timothy Cavendish (Jim Broadment), é este, na verdade, o nome principal desse núcleo. Por não conseguir pagar o que deve, pede ajuda a seu irmão, Denholme (Hugh Grant), que o manda para um asilo, a fim de aprisioná-lo por erros passados, não sem antes ele tentar visitar um antigo amor, Ursula (Susan Sarandon). Broadment também interpreta Vyvyan Ayrs, em história passada em 1936, um músico conhecido, casado com Jocasta (Halle Berry), que emprega um jovem, Robert Frobisher (Ben Wishaw, excelente, como em 007 – Operação Skyfall), o qual acaba compondo a sinfonia “The Cloud Atlas Sextet” (se é o nome da sinfonia, poderiam ter mantido pelo menos o nome estrangeiro, a exemplo do que aconteceu com Moonrise Kingdom e Holy Motors, que nomeiam lugares) e é apaixonado por Rufus Sixsmith (James D’Arcy). No entanto, Vyvyan quer roubar essa sinfonia por considerá-la, num momento, um trabalho em conjunto, depois de um discurso (naquele momento, falso) sobre a união entre as pessoas. Em 1973, uma jornalista, Luisa Rey (Halle Berry), conhece Sixmith (D’Arcy), já um físico nuclear, que lhe passa informações sobre os planos de um empresário, Lloyd Hooks (novamente Grant), em utilizar um problema nuclear para faturar com petróleo. Ela conhece um cientista, Isaac (Hanks), e é perseguida por um capanga (Hugo Weaving), sendo amiga de um menino, futuro escritor. Numa Seul futurista, em 2144, uma menina pré-programada geneticamente, Sonmi-451 (Doona Bae), trabalha numa cadeia de fast food dirigida por Seer Rhee (Grant) e acaba sendo salva por alguém que pode pertencer a uma rebelião, Hae-Joo Chang (Jim Sturgess), contra um sistema totalitário. Ambos se apaixonam. E ela não sabe por que ele acredita que ela pode transformar a humanidade. Mais ainda no futuro, em 2321, estamos de volta a um mundo tribal, num Havaí pós-apocalíptico, em que Zachry (Hanks) se apaixona por Meronym (Berry), que pertence aos prescientes, um grupo de humanos que convive com a alta tecnologia, e pode salvar sua filha em determinada situação. Ela lhe pede para levá-la ao topo de uma montanha, onde poderá desvendar um segredo, numa estação que os ligará diretamente ao passado e ao futuro. Mas Zachry acredita, sobretudo, na líder da tribo, Abbess (novamente Sarandon).

CLOUD ATLAS

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Cloud Atlas 9

Parece confuso, e talvez quando se assista o filme também possa também parecer, mas é fato que Cloud Atlas oferece uma visão muito instigante sobre acontecimentos passados no passado, presente e futuro. Mesmo ao longo da metragem (mas sobretudo depois, refletindo sobre a narrativa que se viu), as histórias se fazem, ao mesmo tempo, independentes e interligadas. Uma coleção de cartas deixada por Sixmith pode ser o guia para um jovem escrever um livro, que poderá ser lido futuramente por um editor. Este editor pode ter tido a vontade de se apossar do sucesso de uma obra literária assim como o músico veterano deseja se aproveitar de um jovem talento, o qual manipula, no passado. Uma jornalista pode ser ajudada por um cientista na mesma medida em que, no futuro, o componente de uma tribo pode ser salvo pela mulher que acaba de conhecer. Uma menina no futuro, aprisionada, pode estar na mesma condição de um senhor que fica preso num asilo ou de um escravo, que está para ser morto pelo comandante do navio, ou mesmo de um jovem que não quer sua peça seja roubada e é chantageado a ficar numa mansão. Um casal correndo sobre uma ponte feita de metal, fugindo de lasers e naves, pode criar um paralelo com o escravo subindo no mastro para demonstrar um talento que pode mantê-lo a salvo. Um homem sendo envenenado pode criar um paralelo com uma menina no futuro precisando de ajuda médica. Salvar uma pessoa da morte pode criar, mais do que uma admiração e repripocidade, o amor e o confronto contra o preconceito, mas sem fugir ao embate entre os fracos e fortes. E Cloud Atlas consegue demonstrar, de maneira complexa e virtuosa, uma porção de sensações paralelas, que vão se complementando, como se uma ação dependesse da outra para acontecer, como se, de fato, houvesse a conexão trazida pelo marketing do filme, mas sem remeter a si mesmo, como nos processos infinitos de filmes puramente metalinguísticos.
Todas as histórias do filme vão acontecendo quase que simultaneamente, algumas com maior destaque, outras dando espaço mais a diálogos temporais, revelando uma montagem magistral de Alexander Berner e a trilha sonora (indicada ao Globo de Ouro) mais marcante do ano, ao lado da de Moonrise Kingdom, assinada por Tom Tykwer (um dos diretores), Reinhold Heil e Johnny Klimek. Além disso, o desenho de produção de Uli Hanisch e Hugh Bateup, aliado à fotografia notável de Frank Griebe e John Toll, cria um enlace entre todos os períodos do filme, com um trabalho semelhante de cores. Ou seja, o espectador atravessa séculos sem que o figurino ou os detalhes de produção se sobressaiam uns em relação aos outros, mantendo uma harmonia. “Não se pode quebrar a ordem das coisas”, diz um determinado personagem num momento-chave, mas Cloud Atlas mostra que, em todas as épocas e todas as pessoas, acabam de certo modo quebrando a ordem das coisas, assim como a própria montagem do filme corta as ações para criar um paralelismo entre elas.

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De todo o elenco, o nome de impressionante atuação é Jim Broadment, mas não se poderia negar que Tom Hanks tem seu melhor momento como ator desde Náufrago e que talvez seja sua participação mais efetiva, como ator que se desdobra, em sua trajetória. Fala-se que ele teve um papel muito importante para a finalização de Cloud Atlas, pois, em determinado momento, a distribuidora não se mostrava mais tão interessada. É visível a dedicação de Hanks ao projeto, e ele consegue trabalhar cada personagem, com a ajuda da valiosa maquiagem (vencedora no Critics Choice Awards, no qual o filme também foi indicado às categorias de figurino e de efeitos especiais), de maneira pessoal e, mesmo quando poderia, sem cair no farsesco ou na caricatura. Acontece, em menos intensidade, o mesmo com Hugo Weaving, um ator que me parece limitado, mas tem uma participação interessante, sobretudo no papel de uma médica que lembra a de Um estranho no ninho. Deve-se dizer que Hugh Grant também se desdobra: apesar dos cacoetes que traz de outros filmes, ele consegue emprestar a cada personagem que interpreta uma presença de cena.
No entanto, deve-se alertar para o progresso na maneira de filmar que dão os irmãos Lana e Andy Wachowski, depois do malsucedido Speed Racer e mesmo do segundo e do terceiro episódios de Matrix, inferiores à ficção que trouxe um novo fôlego aos anos 1990. Aqui, a filosofia direcionada a um futuro de reconciliação é mais discreta e efetiva. Sabemos que, por meio dos personagens de Zachry e Meronym, temos a conciliação da tecnologia com o passado da tribo, com suas divagações e histórias sob as estrelas, e ainda temos, por trás, toda uma filosofia religiosa que certamente interessaria a Pi, o personagem de Yann Martel. Há, também, a questão da vida após a morte; o entrelaçamento entre diferentes vidas. A maior referência recente, aqui, parece ser A árvore da vida, de Terrence Malick, que, mesmo com menos palavras e menos grandioso, no sentido dos custos, vai na mesma direção de Cloud Atlas. “A morte é uma porta”, uma personagem narra em certo momento – não é diferente da Sra. O’Brien (Jessica Chastain) abrindo uma porta para a despedida do filho, que caminha em direção a um deserto. Também é discurso implícito de A árvore da vida de que o ser humano tem sensações que se assemelham e que cada vida é como o início dos tempos. Em Cloud Atlas, todo o discurso de conciliação entre épocas diferentes esconde, com mais intensidade, uma espécie de fuga ao canibalismo e à queda dos dentes (também colhido por um copo numa mesa de bar), onde se pode também achar ouro nas areias dando para o Pacífico Sul. O jovem músico é chantageado pelo atendente do hotel e precisa entregar o colete dado pelo amor de sua vida. O editor deve dinheiro e precisa aprender a viver em comunidade. O empresário quer lucrar com um possível problema nuclear. E a política é atenuada em nome da descoberta do cinema e de um filme que cria laços com o passado, enquanto homens perseguem possíveis rebeldes atrás de blocos de concreto cinza. Em meio a tudo isso, de algum modo, todos são irrepetíveis (apesar de parecer repetir uma pretensa ordem) e se sustenta uma linha de premissas que podem governar a humanidade. O Havaí pós-apocalíptico existe após o que se chamou de “A Queda”. Pode ser, sem dúvida, uma queda que remete ao paraíso original, mas muito mais o anúncio de que pode haver uma possível renovação, já que ela está na cadeia genética que forma cada ser.
Diante disso, Cloud Atlas é uma obra de grande qualidade, com sua continuidade de planetas e vidas soltos no espaços, à procura ainda de uma possível conciliação. Para o espectador, resta ou não se conectar. Independente do resultado, vale certamente a experiência.

Cloud Atlas, EUA/ALE/Hong Kong/Cingapura, 2012 Diretor: Andy Wachowski, Tom Tykwer, Lana Wachowski Elenco: Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Susan Sarandon, Hugh Grant, Ben Whishaw, Keith David, Jim Broadbent, James D’Arcy, Doona Bae Produção: Stefan Arndt, Grant Hill, Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski Roteiro: Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski Fotografia: Frank Griebe, John Toll Trilha Sonora: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer Duração: 172 min. Distribuidora: Imagem Filmes Estúdio: Anarchos Productions / Media Asia Films / X-Filme Creative Pool / Asacine Produções / Five Drops / A Company Filmproduktionsgesellschaft

Cotação 5 estrelas