1917 (2019)

Por André Dick

Em 1999, o diretor inglês Sam Mendes estreava na direção com Beleza americana, sobre um pai de família descontente com o casamento que resolve deixar seu emprego para tentar uma volta à adolescência. Ele tem uma filha, admirada por um jovem vizinho sempre em conflito com o pai. Este fio de história não esclarece o que acontecerá, mas guarda um senso estranho de visão sobre a sociedade norte-americana. E já guarda uma ideia de guerra (entre familiares) que tomaria proporções diferentes na carreira do cineasta: sob a ótica dos gângsteres (Estrada para perdição), de um casal (Foi apenas um sonho) e mesmo militar (Soldado anônimo). Esta ideia de guerra (desta vez contra o terrorismo) foi explorada literalmente por Mendes em seus dois 007, alguns dos melhores de toda a série, e regressam em 1917.

Com o auxílio notável da fotografia de Roger Deakins, querendo adotar um plano-sequência com poucos cortes evidentes, Mendes coloca o espectador num campo de batalha da Primeira Guerra Mundial. Um jovem cabo, Blake (Dean-Charles Chapman), é chamado pelo General Erinmore (Colin Firth), a fim de levar uma mensagem ao Segundo Batalhão do Regimento de Devonshire. O aviso a ser transmitido  para o tenente Joseph Blake (Benedict Cumberbatch) é de que as tropas inglesas não devem avançar num terreno determinado, arriscando a vida de mais de 1.600 homens, porque isso seria uma cilada dos alemães. O soldado escolhe como parceiro de missão o amigo Schofield (George MacKay).
E esta premissa é motivo para Mendes exercer uma proeza técnica junto com Deakins numa tentativa de plano-sequências semelhante àquela que Iñárritu empreendeu com Emmanuel Lubezki em Birdman. Se no filme do cineasta mexicano esse plano se passava nos bastidores de um teatro da Broadway, e às vezes ia para as ruas de Nova York, Mendes filma os dois soldados caminhando em trincheiras e cenários devastados de guerra, até descampados.

Isso, no início, é bastante funcional, principalmente quando Mendes empreende alguns diálogos perto de uma fazenda perdida em meio ao cenário de guerra e, finalmente, depois de uma sequência fortíssima, aos poucos o filme vai retrocedendo até que a proeza técnica se constitua em si quase o único atrativo.
Não ajuda o fato de haver tão poucos diálogos para os personagens centrais, nem que as participações especiais se sintam engessadas, pelo formato, o que não acontecia em Birdman – quando a câmera de Lubezki buscava a expressão dos personagens e o plano-sequência, como em 1917, era um truque técnico, e muito bem realizado. Por meio de um design de produção meticuloso de Dennis Gassner, Mendes, de qualquer modo, insere o espectador a um cenário de Primeira Guerra, evocando em seus melhores momentos O resgate do soldado Ryan e Nascido para matar, além de Glória feita de sangue, os dois últimos de Kubrick, além, evidentemente, de Dunkirk, de Nolan (e, como este, 1917 é para ser visto na tela grande, com o melhor som possível, mas com o critério de que isso não torna um filme isento de falhas).

Mendes gosta muito de lidar com personagens que se sentem desamparados no mundo. Em Beleza americana, eles estavam perdidos, mas isso fazia com que, em algum momento, tentassem se encontrar. O roteiro ia delineando essas figuras com algum interesse pelo seu fim, sobretudo o vizinho, que filma um sacola voando ao vento. A violência em sua casa é apenas para o jovem que não pode se mover, sob o silêncio da mãe. Na outra, a mãe, trabalhando com vendas de imóveis, quer envolvimentos fora do casamento. Em 1917, a figura da mãe é decisiva para compreender a intimidade dos dois personagens centrais – e, mesmo distante, é afetuosa.
Para Mendes, o enfrentamento continua representando um pesadelo, e Beleza americana, ao contrário das belas rosas vermelhas que mostra (dialogando com David Lynch), apresenta mais espinhos. Em seu filme de guerra, os jovens soldados tranquilos embaixo de uma árvore, tendo ao fundo uma paisagem cheia de flores ao fundo, logo estão em meio ao barro, lama, cinza e marrom dos uniformes. Não há vida para Mendes aqui a não ser o heroísmo dos personagens. Ele também mostra uma árvore seca em meio à paisagem desolada num determinado momento, mostrando a progressão da narrativa. O que falta a Mendes, no entanto, apesar de uma sequência-chave angustiante, seguida de outra mais adiante depois de uma passagem de tempo que contraria a tentativa de realismo da narrativa (e, particularmente, me tirou em parte do filme, pois não tem a ver com o seu objetivo central) é justamente uma emoção: em certos momentos os personagens parecem, por meio de diálogos, reproduzirem etapas de um jogo: “Você quer voltar?”, pergunta um deles, aos 30 minutos do filme. Ou: “Eu preciso chegar a determinado lugar em X tempo”.

Boa parte dos poucos diálogos é excessivamente expositiva, mesmo que não se desprendam da realidade – e uma entrada numa das passagens escuras é notável. Do mesmo modo, algumas soluções se revelam apressadas demais e, pela dificuldade da filmagem, os atores dão a sensação de insegurança em expressar de maneira mais enfática seus diálogos, com o risco de terem de refilmar o que fizeram (embora antes tenham acontecido, claro, cortes que a montagem esconde). Ainda assim, Chapman (que faz o irmão de Chalamet em O rei) e MacKay (a grande revelação de Capitão Fantástico) são bons atores e fazem o possível com o roteiro. A trilha sonora de Thomas Newman no início é discreta e eficiente, no entanto aos poucos vai se tornando intrusiva e tentando impor uma emoção difícil de ser notada. E, finalmente, há uma sequência impecável de batalha, mas que indica o mais falho em 1917: a necessidade de chama a atenção para a câmera de Deakins, com um soldado correndo de maneira a ressaltar o que se passa ao fundo. É magistral do ponto de vista técnico; como função narrativa, é evidentemente forçoso. A ação se baseia basicamente em corridas, para que a câmera possa ir atrás dos personagens – no início funciona, depois cansa. A passagem de tempo se torna estranhamente sem ritmo, como se fosse um encadeamento apenas de passagens que precisassem retratar a guerra, porém sem qualquer contato verdadeiro com as situações, tornando-se tudo muito ligeiro e até sem criar expectativa.
De certo modo, 1917 é um filme que pela técnica merece ser visto e apreciado em escala, no entanto parece estar longe de mostrar o melhor de Mendes e Deakins em termos de funcionalidade narrativa Como virtuose, este talvez seja o auge deles– como artistas, possivelmente lhes falte ainda outro projeto mais interessante. 1917 está muito interessado em demonstrar técnica quando lhe falta um pouco de originalidade e um roteiro não tão focado apenas na ação de seus personagens.

1917, EUA/ING, 2019 Diretor: Sam Mendes Elenco: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Claire Duburcq, Colin Firth, Benedict Cumberbatch Roteiro: Sam Mendes e Krysty Wilson-Cairns Fotografia:Roger Deakins Trilha Sonora: Thomas Newman Produção: Sam Mendes, Pippa Harris, Jayne-Ann Tenggren, Callum McDougall, Brian Oliver Duração: 119 min Estúdio: DreamWorks Pictures, Reliance Entertainment, New Republic Pictures, Mogambo, Neal Street Productions, Amblin Partners Distribuidora: Universal Pictures (Estados Unidos), eOne (Reino Unido), Reliance Entertainment (Índia)

O retorno de Mary Poppins (2018)

Por André Dick

No clássico Mary Poppins de 1964, duas crianças, Michael e Jane, causam muitos problemas aos pais, até o dia em que pedem uma nova babá. Quem chega, voando de guarda-chuva, é a personagem-título (Julie Andrews), que transforma a vida dessa família tradicional, administrada por Mr. Banks (David Tomlinson). O melhor amigo dela é um rapaz que faz apresentações no parque – talvez a interpretação mais conhecida de Dick Van Dyke. Enquanto Mary viaja com as crianças por um mundo encantado (a primeira mistura perfeita de humanos com animação), Banks pretende associá-las ao banco onde trabalha. Mary Poppins é, ao mesmo tempo, um musical e um filme infantojuvenil clássico. Difícil negar sua qualidade e números de dança, como o da chaminé, na qual se mistura a realidade e a fantasia para recriar um novo mundo. Desde a parte técnica, passando pela direção e elenco, a obra de Robert Louis Stevenson baseada em livro de P.L. Travers marcou época.
Em 1971, na mesma linha, foi realizado Se minha cama voasse, do mesmo diretor de Mary Poppins, também com algumas cenas animadas. A atriz da Broadway Angela Lansbury faz uma aprendiz de feiticeira na época da invasão nazista. Utiliza uma de suas mágicas para fazer uma cama voar e leva junto três crianças. Juntas, viajam para um mundo animado (com cenas que lhe valeram o Oscar de efeitos especiais).

A história de O retorno de Mary Poppins inicia em 1935, na mesma Londres no primeiro, agora no período da Grande Depressão. Michael Banks (Ben Wishaw), mais velho e que perdeu sua mulher Kate há um ano, cria os três filhos, Annabel (Pixie Davies), John (Nathanael Saleh) e Georgie (Joel Dawson), com a ajuda da governanta Ellen (Julie Walters). Com problemas no banco, ele precisa travar um embate com o rei William “Weatherall” Wilkins Jr. (Colin Firth), de quem é empregado e é o novo presidente do Fidelity Fiduciary Bank. É um começo que remete muito ao argumento de Os Goonies, embora baseado numa das sequências escritas por P. L. Travers, e Michael e sua irmã Jane (Emily Mortimer), ao lembrarem que o pai deixou ações no Fidelity Fiduciary Bank, passam a procurar a prova da propriedade. Michael encontra a pipa de infância, que coloca em pertences para venda. Quando as crianças veem Mary Poppins descer do céu para ajudá-los, junto com essa pipa, ela é uma brisa literal de esperança.

A partir daí, vem o problema dessa sequência: Jane e Michael, ao reencontrarem Mary Poppins, parecem não sentir nenhuma emoção em especial – apesar de Rob Marshall encadear canções que tentem motivá-la junto aos personagens, repetindo até a mistura entre humanos e animação num dos pontos mais nostálgicos do filme, em que aparece ainda como destaque o acendedor de luzes de rua Marty (Lin-Manuel Miranda) e uma tigela se torna o objeto-chave da narrativa, sendo levada para uma excêntrica Topsy (Meryl Streep, descontrolada e ainda assim um bom acréscimo, reeditando por um breve momento a parceria com Blunt de O diabo veste prada), capaz de arrumá-la. A história segue os passos de Hook – A volta do Capitão Gancho, com a passagem do tempo como conceito de fundo para os acontecimentos e a velha rivalidade da Disney com as cifras (existente só dentro de seus filmes), o que já aparecia este ano no superior Christopher Robin.

Visualmente, O retorno de Mary Poppins é uma peça encantadora: poucas obras nos jogam de volta numa atmosfera dos anos 60, graças ao trabalho de fotografia de Dion Beebe (habitual parceiro de Marshall) e ao figurino irretocável de Sandy Powell (vencedora de três Oscars), com cores remetendo ao trabalho que apresentou em A invenção de Hugo Cabret, mas sem perder o verniz de contemporaneidade, e o elenco tenta lidar bem com o roteiro disperso. Embora Blunt tenha carisma, ela não consegue, em razão do roteiro, se alçar no papel como Julie Andrews, por um detalhe substancial: ela não tem, curiosamente, uma grande presença em cena. Por vezes, sente-se que Mary Poppins está na história apenas para justificar que se trata de uma sequência – ou melhor, um remake disfarçado – do filme de 1964. Blunt cresceu muito como atriz nos últimos anos, porém não lhe é dado o devido espaço para mostrar a atriz talentosa que é, a não ser alguns maneirismos que lembram os de Andrews, curiosamente ausente da sequência mesmo em se tratando de alguma homenagem. Enquanto isso, Lin-Manuel Miranda é uma grata surpresa, rivalizando com a empatia de Dick Van Dyke. Se as fichas fossem concentradas na relação entre Mary Poppins e Marty, a obra certamente cresceria. O problema central é a direção de Marshall, acompanhada pelo roteiro de David Magee, responsável pelos bons diálogos de Em busca da terra do nunca, sobre o criador de Peter Pan e As aventuras de Pi. No entanto, não se deve esquecer que Wishaw, Firth e a atuação das crianças não são pontos para a história criar a densidade, mesmo fantasiosa, de que necessitava.

Vencedor do Oscar por Chicago, ele fez Memórias de uma gueixa, Nine, Caminhos da floresta e outras peças que não primavam pelo estilo próprio. Em O retorno de Mary Poppins, ele tenta captar o que Stevenson fez no primeiro, no entanto o apanha apenas no visual, uma vez que as sequências musicais parecem intrusivas e pouco naturais, embora as canções sejam afetivas, e o embate entre reis das finanças com o homem mais simples é, em se tratando de seus propósitos, no mínimo forçado. Marshall não tem um grande talento para compor momentos grandiosos, e eles existiriam em profusão aqui se melhor encenados, assim como o design de produção se mostra menos amplo do que o esperado, excessivamente de estúdio. Mesmo com todos os elementos à mão, ele sempre prefere a montagem caótica, ligeira demais, quando os temas tratados exigem um tratamento mais lento. É ele certamente o responsável por O retorno de Mary Poppins ser mais um lembrete do quanto o filme de 1964 foi marcante. É agradável, contudo seu potencial exigia ser muito mais do que isso.

Mary Poppins returns, EUA, 2018 Diretor: Rob Marshall Elenco: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters, Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Colin Firth, Meryl Streep Roteiro: David Magee Fotografia: Dion Beebe Trilha Sonora: Marc Shaiman Produção: Rob Marshall, John DeLuca, Marc Platt Duração: 130 min. Estúdio: Walt Disney Pictures, Lucamar Productions, Marc Platt Productions Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures