Legítimo rei (2018)

Por André Dick

Depois do sucesso crítico de A qualquer custo, indicado ao Oscar principal, o diretor escocês David Mackenzie volta à cena, desta vez com um filme histórico baseado na constituição de sua terra natal. É de se esperar uma obra que respeita os dados históricos, sem verter em demasiada liberdade, e é isso realmente o que acontece. Legítimo rei conta a trajetória de Robert the Bruce (Chris Pine), o homem que liderou os escoceses contra os ingleses na Primeira Guerra da Independência do seu país.
Se no início o seu pai entra em acordo com a Inglaterra por meio de um casamento arranjado de Robert com Elizabeth de Burgh (Florence Pugh), depois de tratativa com Edward I (Stephen Dillane), em frente ao castelo sitiado de Stirling, em 1304 d.C., logo Mackenzie mostra esse personagem em permanente rebelião contra o sistema.

Depois de dois anos, vendo o efeito da administração dos ingleses sobre o povo escocês, e após a morte de William Wallace (personagem representado por Mel Gibson em Coração valente), ele começa seu embate com John Comyn (Callan Mulvey) e se manifesta exatamente novamente aquele personagem que Pine interpretou em A qualquer custo: a família, aqui, precisa ser mantida e respeitada em nome de um ideal maior (nesse sentido, explica-se o título original, de um “rei fora da lei”). Este ideal pode colocar em perigo a sua filha e a própria esposa, mas confere a Bruce um papel histórico. A união a princípio desconfortável com Elizabeth logo é superada, e a mulher representa aqui um sentimento de desafio às leis e às regras, bem esclarecido pela atuação dedicada de Pugh, que no ano passado se revelou em Lady Macbeth. Ela oferece a Robert o sentimento de união familiar que parece lhe faltar com a ausência especialmente de um ente querido. Tanto é que uma das sequências mais impressionantes do filme mostra a preocupação de fuga da amada, em meio a labaredas de fogo. E os papéis de combate se estabelecem. Contra ele estão Edward, o Príncipe de Gales (Billy Howle), além de Aymer de Valence (Sam Spruell), e a seu lado lutam Angus Macdonald (Tony Curran) e James Douglas, numa atuação histriônica de Aaron Taylor-Johnson. Conhecido por ser um dos irmãos com superpoderes de Vingadores – A era de Ultron e por um papel excêntrico em Animais noturnos, Taylor-Johnson quase não possui diálogos, porém sua presença é destacada.

Antes que tudo se dirija à grandiosa Batalha de Loudon Hill, Mackenzie mostra Bruce como um homem errático, graças à boa atuação de Pine, mesmo que não lhe sejam dadas as devidas matizes e nuances psicológicas para que seja visto como alguém complexo. No entanto, Pine, por sua despretensão, alcança exatamente a configuração de um indivíduo falho e muitas vezes ingênuo diante dos percalços a serem superados. Seu estilo de atuação bastante conhecido desde que encarnou o capitão Kirk em Star Trek se baseia em poucos movimentos e tonalidades, entretanto se revela consistente na busca de diálogo com seus inimigos e na liderança de seu exército.
A direção, baseada num figurino e desenho de produção dedicados, deposita nas cenas de ação e batalhas seu maior atrativo, ao contrário, por exemplo, de uma linha mais poética medieval, a exemplo do que víamos no clássico Excalibur. É muito mais realista do que o Rei Arthur de Guy Ritchie, seguindo mais a linha de Cruzada, de Ridley Scott, com alguns toques da versão de Robin Hood desse diretor e do seu clássico Gladiador (na apresentação das figuras paternas), sem nunca deixar de apostar na sua linha de frente: roteiro e atuações calibradas. Além disso, a fotografia de Barry Ackroyd, habitual colaborador de Paul Greengrass e Kathryn Bigelow, insere o espectador no escopo da batalha, captando de maneira inegavelmente competente o desespero no rosto dos homens com a vida por um triz. Por vezes, Mackenzie renova a brutalidade da Idade Média com imagens de tirar o fôlego, compostas com certo enquadramento funcional e um jogo de luzes por vezes pictórico, aliado às cores de cada figurino belíssimo.

Lançado no Festival Internacional de Cinema de Toronto, Legítimo rei talvez seja a peça, até agora, mais ousada, em termos de produção, da Netflix. Resta saber se sua parte inicial, um pouco titubeante, numa apresentação apressada de determinados personagens e pouco desenvolvimento, se deve ao corte feito pelo diretor na metragem: foram dispensados 23 minutos de trama. Há, sem dúvida, cortes abruptos, passagens que não se esclarecem com a devida ênfase e pouca necessidade de levar os personagens a um termo em comum, parecendo mais dispersos. Se a sequência inicial sem cortes durante oito minutos pode lembrar um De Palma ou, mais recentemente, o estilo de Iñárritu, principalmente o de Birdman e O regresso, em seguida tudo, diante disso, parece, em termos técnicos, mais comportado. Mackenzie, de qualquer maneira, não desiste; sua narrativa segue num crescendo. E, nisso, o espectador não deve se enganar: mesmo que o desenvolvimento dos personagens não seja o forte de Legítimo rei, está aqui um filme com a intensidade de um épico tão em falta no cinema contemporâneo.

Outlaw king, EUA/ING, 2018 Diretor: David Mackenzie Elenco: Chris Pine, Aaron Taylor-Johnson, Florence Pugh, Billy Howle, Tony Curran, Callan Mulvey, Stephen Dillane Roteiro: David Mackenzie, Bathsheba Doran, James MacInnes, Mark Bomback, David Harrower Fotografia: Barry Ackroyd Trilha Sonora: Tony Doogan, Lucie Treacher Produção: David Mackenzie, Gillian Berrie, Richard Brown Steve Golin Duração: 121 min. Estúdio: Sigma Films, Anonymous Content Distribuidora: Netflix

Mulher-Maravilha (2017)

Por André Dick

O universo compartilhado da DC Comics no cinema teve início há quatro anos com O homem de aço, de Zack Snyder, seguido por Batman vs Superman, do mesmo diretor, e Esquadrão suicida, ambos lançados no ano passado. Em um ambiente no qual a disputa da companhia com a Marvel cresce a cada filme, Mulher-Maravilha, o primeiro blockbuster dirigido por uma cineasta, Patty Jenkins, parece trazer uma certa nostalgia em seu início principalmente.
Na ilha de Themyscira, Diana Prince (na infância Lilly Aspel e na adolescência Emily Carey) é educada e treinada para ser uma amazona guerreira pela tia Antiope (Robin Wright), com todo o conhecimento e preparo físico possíveis, mesmo contra a vontade de sua mãe, Hippolyta (Connie Nielsen). Essa premissa familiar já seria suficiente para ver no filme de Jenkins, diretora de Monster, pelo qual Charlize Theron ganhou o Oscar de melhor atriz, um dos fundamentos desse gênero: o respeito às HQs, e o roteiro aposta nisso, apropriadamente interessante. Há uma preocupação em contar a origem das amazonas, com uma volta à mitologia de Zeus, e fica clara a influência do Zack Snyder, que ajudou a escrever a história com Scott Heinberg (responsável pelo roteiro final) e Jason Fuchs, principalmente nas imagens e na tonalidade das figuras gregas, remetendo a 300.

Quando Diana já adulta (Gal Gadot) presencia a queda do avião do norte-americano Steve Trevor (Chris Pine), e imediatamente se depara com a Primeira Guerra Mundial, temos um exemplo de como abordar a história com elementos de fantasia. Ele é um espião que está atrás de informações relativas a alemães. Poucas vezes isso foi feito, mais exatamente naquela obra que serve de comparativo com este, Capitão América – O primeiro vingador, com elementos também de Rocketeer, em que o herói enfrentava nazistas na Hollywood dos anos 40. Se o filme de Johnston insistia em certa narrativa fragmentada, Mulher-Maravilha tenta ser mais completo: é visível que não há os saltos propostos na narrativa de Johnston, nem uma excessiva vontade de converter cada imagem num frame de HQ.
Para um filme que inicia com belíssimo visual da ilha, em trabalho de fotografia magistral de Matthew Jensen (Game of Thrones), repleto de cores, é de se imaginar que há um novo tom adotado para a DC. No entanto, esse novo tom não percorre toda a narrativa: na maior parte das tomadas de guerra, muito realistas e bem feitas por Jenkins, com uma aura de cinema antigo, a atmosfera é soturna. O design de produção de Aline Bonetto, colaboradora de Jean-Pierre Jeunet, em O fabuloso destino de Amélie Poulain e Estranho amor – que possui cenários de guerra parecidos com as de Mulher-Maravilha – e o figurino de Lindy Hemming, que recebeu um Oscar por Topsy-Turvy e participou da trilogia Batman de Nolan, são notáveis.

Ambos os trabalhos acrescentam ao universo da DC, porém não destoam, ou seja, nada aqui é tão claro que deixe de lado uma ambientação atmosférica densa. Não parece haver humor excessivo, de qualquer modo, a não ser quando Mulher-Maravilha entra em contato com Etta Candy (a simpática Lucy Davis, subaproveitada) e a Londres de 1918, que remete à Nova York de Animais fantásticos e onde habitam, com seus detalhes inumeráveis, ou quando procura “guerreiros” para acompanhá-la no front de batalha – momentos em que o filme tenta agradar excessivamente ao público. Os personagens do general alemão Ludendorff (Danny Huston, na atuação problemática do elenco) e uma colega (Elena Anaya) dialogam mais com o universo de Harry Potter e Animais fantásticos e se sentem um pouco deslocados aqui. Nesse contexto, a figura da Mulher-Maravilha se dá com certa desenvoltura, principalmente quando em Londres se mostra intelectualmente já à frente de seu tempo. Há um subtexto claro aqui de temas voltados ao feminismo, com a determinação de Jenkins em lidar com eles de forma interessante e não pretensiosa.
Além disso, o século de distância que afasta essa Diana de Batman vs Superman, tendo Bruce Wayne em seu encalço, é exatamente aquele em que a heroína fica mais experiente e a mitologia se transforma em fantasia: a Primeira Guerra é o verdadeiro apocalipse que se materializa em Gotham City no filme de Snyder. A ilha Themyscira representa o oposto do mundo masculino, que seria exatamente o da guerra sem nenhuma razão: a oposição se dá não apenas pelo uso das cores na primeira parte em oposição aos momentos em que Diana sai do lugar onde nasceu. A Ilha Paraíso, como também é conhecido o lugar, presencia a queda da humanidade com a chegada do homem. E este, segundo Diana Prince, precisa ser salvo. Mas, no momento em que ela realmente conhece os horrores da guerra, talvez ele não queira exatamente isso. Jenkins procura fazer quase uma análise da guerra à parte de seu filme – que tem o foco evidente na fantasia. Isso por vezes engrandece a temática e por outras desvia o foco do que apresenta em cenas-chave. Já o discurso sobre deuses e humanos e a tentativa de Jenkins em representá-los como pinturas em movimento – quando Snyder expunha o tema por meio da pintura na sala de Lex Luthor em Batman vs Superman – é um tema que vem desde O homem de aço no universo compartilhado da DC.

Com um personagem fundamental criado em 1941 por William Moulton Marston, mesmo com essa parcela de mostrar o primeiro filme grande com uma super-heroína, Mulher-Maravilha não parece carregar o risco de Batman vs Superman e mesmo O homem de aço. Trata-se de uma aventura com elementos clássicos, apresentando um um otimismo mais evidente, na construção que ele faz da relação entre os super-heróis mostrados e suas famílias e na esperança de um mundo melhor, mesmo que de maneira conflituosa – o que é base desses personagens nas HQs e animações contemporâneas. Em Mulher-Maravilha, essa relação se dá desde o início, na ilha de Themyscira e forma a personalidade de Diana, mas, ao contrário de Batman e Superman, ela se sente um tanto desprendida do seu passado, e daí a principal diferença de enfoque. Além de tudo, situado durante os anos 1910, não seria possível Jenkins aplicar em sua personagem o mesmo nervosismo da modernidade em que Batman e Superman estão inseridos, com suas guerras a serem enfrentadas a partir de invasões alienígenas ou psicopatas com acesso à mais recente tecnologia para manipular o governo.

Há méritos evidentes para Jenkins em extrair uma boa atuação de Gal Gadot, que se sentia com uma participação tímida em Batman vs Superman e aqui realmente se encaixa no papel, fazendo uma boa parceria com um Chris Pine à vontade, como se estivesse a bordo da Enterprise, assim como na construção de algumas cenas de ação, em que os efeitos visuais são balanceados entre elementos de realismo e fantasia (o laço da Mulher-Maravilha é especialmente bem feito e confere impacto às cenas em que surge). Lamenta-se que Pine não seja suficientemente aproveitado da metade para o final, o que prejudica bastante a fluidez até então da narrativa, e é justamente ele que provoca uma cena antes do final emocionante.
Mais conhecida antes por participar da série Velozes e furiosos, Gadot apresenta um crescimento dramático, mesmo que não completo, principalmente no terceiro ato, que reduz de forma significativa as qualidades do filme (e a metragem se excede em pelo menos 15 minutos). Ela já havia se mostrado uma boa comediante em Vizinhos nada secretos, ao lado de Zach Galifianakis, e aqui novamente seu timing para humor é muito bom. No entanto, o discurso que ela apresenta sente-se didático demais, mesmo expositivo, pois Jenkins naturalmente está aproveitando a figura da Mulher-Maravilha mais para simbolizar um discurso bem dosado à guerra do que para inseri-la numa trama distribuída em camadas. No entanto, para quem está desconfiado de quem forma a opinião de alguns espectadores, não se engane: é tudo o que eles querem. Nada decisivamente melhorou ou piorou: tudo voa ao sabor das circunstâncias, assim como a Mulher-Maravilha em muitas sequências, desta vez sendo recebida em geral não com uma dose tendenciosa de ver apenas falhas onde há verdadeiros méritos.

Wonder woman, EUA, 2017 Direção: Patty Jenkins Elenco: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Danny Huston, David Thewlis, Connie Nielsen, Elena Anaya, Lucy Davis, Saïd Taghmaoui, Ewen Bremmer, Eugene Brave Rock Roteiro: Allan Heinberg Fotografia: Matthew Jensen Trilha Sonora: Rupert Gregson-Williams Produção: Charles Roven, Deborah Snyder, Zack Snyder, Richard Suckle Duração: 140 min. Distribuidora: Warner Bros Estúdio: Atlas Entertainment / Cruel & Unusual Films / DC Entertainment

 

A qualquer custo (2016)

Por André Dick

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Há alguns filmes que procuram revitalizar um gênero nos tempos modernos, e A qualquer custo é um dos mais interessantes. Não parece, mas este é um legítimo faroeste. O que mais o aproxima deste gênero é certamente uma história que parece simples apenas na superfície, quando possui muitos detalhes narrativos capazes de mostrar personagens em evolução, com uma complexidade inesperada e por vezes comovente. Aqui, um pai divorciado, Toby Howard (Chris Pine), e seu irmão Tanner (Ben Foster), começam a roubar vários bancos no oeste do Texas. Enquanto Toby parece mais tranquilo, Tanner encarna uma faceta mais raivosa, tentando canalizar o que resolveria dívidas da família. Não se sabe muito bem por que eles agem desta maneira, sem procurar outra opção, mas esta passa a ser uma das qualidades de quem assiste à história.
Dois Texas Rangers, Marcus Hamilton (Jeff Bridges) e Alberto Parker (Gil Birmingham), saem à busca da dupla de assaltantes. De origem indígena, Parker é admirado por Hamilton de maneira que este é um faroeste moderno em que as figuras do homem branco e daquele que perseguiu durante um longo tempo se unem para tentar impedir a escalada de roubo e violência proporcionada por dois irmãos a princípio inofensivos.

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Pela amizade entre os rangers, há mesmo uma espécie de admiração no que se refere ao modo como os irmãos se dedicam a seus planos. Não chega a haver nenhum humor excessivo como existia em Arizona nunca mais e Coração selvagem, embora as ameaças aos caixas de banco soem mais do que verossímeis.
A história quase não possui diálogos e ainda assim todos funcionam exemplarmente, com cada cena construída de maneira que reflete na seguinte, sem deixar sobras, uma qualidade da direção de David Mackenzie, nunca dando a entender, por isso, que o filme é simplesmente rápido. A linguagem de cada personagem soa quase como específica, mesmo pertencendo a um lugar mais vasto: o modo como um se dirige ao outro caracteriza também suas ações. Por exemplo, a sequência em que Toby conversa com uma garçonete, Jenny Ann (Katy Mixon, mais conhecida por suas participações em séries de humor, numa bela atuação), antes de praticar um dos assaltos combinados com o irmão, mescla um desejo de fuga desse universo e um ingresso em outro ambiente, que não parece viável, porque, afinal, ele e seu irmão precisam fazer o que estão realizando. E o Texas é visto não como um lugar apenas semiabandonado, como também aquele em que as pessoas entram em ajuste umas com as outras de forma assustadora, ou mesmo entram em estado de negação diante de uma ameaça.

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A qualquer custo dialoga com Terra de ninguém e Onde os fracos não têm vez, com elementos ainda do grande Cianfrance de O lugar onde tudo termina – a agilidade com que são filmados os assaltos –, do setentista Corrida contra o destino e possui um ritmo quase perfeito, com atos bem definidos e ótimas atuações de todo o elenco, principalmente Pine, surpreendentemente numa atuação madura e envelhecida no bom sentido, e Bridges, este claramente revivendo o cowboy grosseiro de Bravura indômita, principalmente quando decide buscar algumas cervejas na geladeira. Ainda assim, Birmingham e Foster não ficam distantes dessas atuações: Foster consegue trabalhar mais ao final um traço de impacto nas ações de seu Tanner.
O roteirista Taylor Sheridan é o mesmo de Sicario e aqui a paisagem é tão deserta quanto no filme de Villeneuve, além do sentimento familiar ser acompanhado de certa melancolia. Esta é uma paisagem em que os poços de petróleo da comunidade não concedem imunidade contra ameaças econômicas externas, e onde os personagens tentam preservar suas famílias longe da violência, a qual, no entanto, jamais evitam em sua jornada. O tema das finanças familiares se estende ao longo de toda a narrativa, sempre acompanhado por uma dúvida: para que existe toda uma riqueza secular numa terra abandonada se ela não reverte para as pessoas da comunidade? Sheridan aproveita o roteiro para criar quase uma sátira ao sistema bancário, sem meios termos nem grandes explicações.

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Tudo é mostrado como uma grande sequência longa em que os acontecimentos se passam quase no tempo que concede o filme. Dificilmente há alguma pausa para descanso – o momento em que os acontecimentos são vistos parece ser o mesmo em que foram filmados. Para isso, os personagens de Pine e Bridges contribuem com eficácia, assim como a fotografia exuberante de Giles Nuttgens, embora a direção deixe o terceiro ato se tornar mais plano e o final, de certo modo, soe abrupto em demasia em comparação com o que acontece antes, de maneira tão fluida e intensiva. Talvez seja este o impasse trazido pela obra de Mackenzie: como ele aponta de forma direta o que está criticando, não resta muito espaço para possíveis nuances. Isso, de qualquer modo, não diminui os personagens ou os afasta de uma determinada combinação de fatores que os tornam, inclusive, complexos. As famílias aqui se mostram distantes entre si, mas é o núcleo para o qual esses personagens solitários se voltam no momento-chave. A investigação passa a ser não apenas de quem se saiu melhor num cenário em que os duelos predominam, nem quem conseguiu ganhar mais, e sim quem conseguiu sobreviver ao status de ser, afinal, um solitário.

Hell or high water, EUA, 2016 Diretor: David Mackenzie Elenco: Chris Pine, Ben Foster, Jeff Bridges, Gil Birmingham, Katy Mixon Roteiro: Taylor Sheridan Fotografia: Giles Nuttgens Trilha Sonora: Nick Cave, Warren Ellis Produção: Julie Yorn, Peter Berg, Sidney Kimmel Duração: 102 min. Distribuidora: Califórnia Filmes Estúdio: Film 44 / Sidney Kimmel Entertainment

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Star Trek – Sem fronteiras (2016)

Por André Dick

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Quando estava para ser feita a terceira parte de Star Trek, vários rumores surgiram: o primeiro foi o afastamento de J.J. Abrams da direção, para se dedicar a Star Wars – O despertar da força e, em seguida, o anúncio de Edgar Wright, de Scott Pilgrim contra o mundo, como o novo diretor. No entanto, a direção coube finalmente a Justin Lin, de quatro episódios da série Velozes e furiosos. Estava configurada a temeridade: poderia o terceiro episódio reproduzir a qualidade dos dois primeiros filmes de Abrams? Isso porque Abrams praticamente conseguiu refundar esses personagens criados por Gene Roddenberry sob uma nova roupagem, com mais agilidade e não exatamente menos reflexão, uma característica da série que iniciou na TV nos anos 60 e se transportou para o cinema do final dos anos 70 até o início da década de 90 (não por acaso, um dos cartazes de Star Trek – Sem fronteiras e é quase uma réplica do de Star Trek – O filme, de Robert Wise, que tentava repetir 2001). E é difícil entender a demissão em parte da crítica ao segundo episódio, um dos melhores construídos da história da franquia, e ainda assim questionado por seus temas voltados à política e com indiretas à política norte-americana de invasão a determinados países em guerra.
Neste terceiro episódio, a Enterprise volta de uma missão de cinco anos à base estelar Yorktown (uma destreza em design, mesmo que com clara influência de Elysium). O Capitão James T. Kirk (Chris Pine) está refletindo sobre a sua função, um pouco entediado do que julga ser uma rotina episódica – qualquer metalinguagem é mera coincidência –, depois de todos esses anos, e pensa em querer promover Spock (Zachary Quinto) como novo capitão da Enterprise. Ficamos sabendo que a relação deste com Uhura (Zoe Saldana) não se mostra como era antes e que aconteceu a perda de um ente querido (o Spock mais velho, Leonard Nimoy, a quem o filme também é dedicado).

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Uma cápsula é encontrada numa nebulosa, e nela uma sobrevivente, Kalara (Lydia Wilson), que avisa que sua nave está em Altamid, um planeta nas localidades. A Enterprise sai em missão de resgate, mas acaba se deparando com uma invasão alienígena liderada por Krall (Idris Elba), que está atrás de um artefato descoberto por Kirk numa de suas missões. Este artefato, o Abronath, colocará a Enterprise numa situação delicada, capaz de lembrar, particularmente, o momento mais espetacular de Matrix revolutions, deixando os combates anteriores entre naves nos filmes anteriores para trás em termos de impacto.
Temos de volta não apenas Kirk e Spock, como também Uhura, Sulu (John Cho), Chekov (Anton Yelchin, em sua participação lamentavelmente derradeira, R.I.P.), Leonard McCoy (Karl Urban), Montgomery Scott (Simon Pegg), e o ritmo empregado por Justin Lin não é muito diferente daquele usado por Abrams nas duas primeiras partes. Existe, aqui, uma necessidade de mostrar a equipe agindo em núcleos, depois de um grande imprevisto, e Lin consegue desenvolvê-los de maneira adequada, sobretudo a ligação entre McCoy e Spock. E ainda há uma nova personagem, Jaylah (Sofia Boutella, de Kingsman), embora seja um spoiler se eu dissesse qual sua participação.
Se não existe aqui a interação entre Kirk e Spock que havia nos demais, e mesmo assim Pine e Quinto continuam ótimos em seus papéis, muito em conta dessa separação por aqui, Star Trek – Sem fronteiras, se mostra mais leve em sua maneira de apresentar a ação, mesmo que igualmente espetaculoso, com design de produção fantástico e um figurino acertado. Percebe-se o cuidado em realmente não se concentrar no CGI, mas reproduzir alguns cenários em alta visual de impacto (apesar de termos a cidade espacial que pode ser um passo além das experimentações visuais de Gravidade).

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O roteiro, escrito por Pegg, também responsável pelas narrativas de Chumbo grosso, Paul – O alien fugitivo e Heróis de rassaca, em parceria com Doug Jung, é muito interessante na maneira como estabelece a história sem uma divisão clara, com uma ação contínua, em que um quadro desencadeia o outro, sucessivamente, transformando-se numa sequência bastante envolvente e na qual não existe a quebra que havia, nos anos 80, de A ira de Khan para À procura de Spock. O que falta às vezes é justamente um toque de humor, especialmente de Pegg, que havia em doses maciças no primeiro empreendimento desta franquia de Abrams, que segue como produtor, e mesmo o ator não está no seu momento mais inspirado, talvez por dividir desta vez suas funções. Ele simplesmente não consegue desenvolver a mesma agilidade quanto aos personagens que Abrams conseguia, e Damon Lindelof, um dos roteiristas do segundo, faz especialmente falta. Também há um descuido talvez na maneira como apresentam uma determinada cena com Sulu, que foi alvo de comentários, pois não expande a ideia, como deveria, e parece apenas um acréscimo forçado, pois logo a abandona, não trazendo aquela ligação dramática para o resultado final. Ainda assim, a homenagem a Nimoy soa interessante e sente-se aproximação de Kirk novamente com seu passado, do seu pai (Chris Hemsworth) e do almirante Pike (Bruce Greenwood), como um adendo capaz de ressoar junto ao espectador como antes.

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Em relação ao segundo, há a perda de Benedict Cumberbatch como vilão, e Idris Elba está escondido depois de uma pesada maquiagem (lembrando Louis Gosset Jr. em Inimigo meu), sofrendo os mesmos problemas de Eric Bana do primeiro Star Trek desta geração mais jovem. Não chega a haver uma justificativa mais concreta para as posições de Krall, sentindo-se sua presença também diminuída em relação ao vilão do segundo filme. Isso não exclui a maneira como Lin transforma esse vilão mais assustador em alguns instantes, sobretudo porque ele se alimenta da energia alheia e tenta escravizar inúmeras pessoas para constituir uma alternativa à Federação. Outro destaque é a trilha de Michael Giacchino, igualmente bela e sem repetir o padrão dos dois primeiros trabalhos, com uma escala e variação musical exuberante.
Se Lin não consegue ser Abrams na confecção de cada ato e na motivação, algumas vezes, dos personagens, por outro lado, ele possui, mais do que Abrams, um olhar mais próximo dos anos 80 para esses personagens. Ou seja, principalmente nas cenas de ação, há uma espécie de improviso que caracteriza esses personagens com a ênfase oferecida nessa década, mais corporal e menos calcada apenas nos efeitos especiais (embora esses, quando surjam, sejam nada menos do que espetaculares). À parte, deve-se dizer o quanto o visual desse Star Trek incorpora um trabalho de cores específico e muito atrativo, por todos os cantos, também mais próximo da estética dos anos 80. Dentro do seu gênero, continua um referencial e tanto.

Star Trek Beyond, EUA, 2016 Diretor: Justin Lin Elenco: Chris Pine, Zachary Quinto, Karl Urban, Zoe Saldana, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin, Idris Elba, Sofia Boutella, Joe Taslim, Lydia Wilson, Deep Roy, Harpreet Sandhu Roteiro: Doug Jung, Simon Pegg Fotografia: Stephen F. Windon Trilha Sonora: Michael Giacchino Produção: Bryan Burk, J.J. Abrams, Roberto Orci Duração: 122 min. Distribuidora: Paramount Pictures Brasil Estúdio: Bad Robot / Paramount Pictures / Skydance Productions

 Cotação 4 estrelas