Hereditário (2018)

Por André Dick

A distribuidora A24 vem se tornando o maior exemplo de cinema independente nos Estados Unidos, principalmente depois de Lady Bird e Projeto Flórida, lançados no final do ano passado e com êxito incomum junto à crítica e nas premiações. No início deste ano, estreou seu filme de terror mais conhecido até agora, Hereditário, no Festival de Sundance, sob a direção do estreante Ari Aster, feita dentro dos moldes que vêm repercutindo mais no gênero de terror e suspense: com uma mistura dramática, ligada à família. Isso aconteceu em A bruxa e Ao cair da noite, que normalmente levam o espectador a gostar muito deles ou simplesmente deixá-los em segundo plano.
Annie Graham (Toni Collette) é uma artista que trabalha com miniaturas – em Hereditário, com uma casa de bonecas que parece representar a sua própria habitação. Ela é casada com Steve (Gabriel Byrne) e tem um casal de filhos: o adolescente Peter (Alex Wolff, muito parecido com seu irmão também ator Nat, de Cidades de papel) e a menina de 13 anos Charlie (Milly Shapiro). Já se inicia a história com o funeral de sua mãe, com a qual tinha vários problemas desde a infância.

Sua filha Charlie, com problemas mentais, havia se tornado muito apegada à avó, no pouco tempo em que elas conviveram juntos. Annie passa por dias especialmente difíceis e procura ajuda numa reunião de pessoas que perderam entes queridos. Enquanto isso, Charlie se comporta estranhamente, principalmente quando um pombo bate na janela de sua sala de aula. Interessante como Aster faz uma analogia entre a menina e a figura de um pássaro. Assim como o filme inicia com uma tomada de uma maquete que se transforma na passagem para seus atores, como se eles estivessem dentro dela, em outro momento, durante um funeral, a câmera faz um movimento que lembra um ingênuo stop motion na linha de O fantástico Sr. Raposo.
Peter, por sua vez, quer ir até uma festa e precisa levar sua irmã. Se não se soubesse o que aconteceria, o espectador poderia dizer o que faria uma menina tão nova numa festa de adolescentes, porém Aster mantém o clima de tensão. Essa vai desaguar na amizade entre Annie e uma colega do grupo de apoio, Joan (Ann Dowd). Daí em diante, parece que a narrativa se situa entre a realidade dos personagens e o onirismo das passagens, algumas certamente assustadoras. Annie não sabe mais se vê uma realidade paralela ou se tudo é resultado de seu sonambulismo, tornando-se cada vez mais confusa e entrando em constante rota de discussão com o marido.

Como outros exemplares mais conhecidos do seu gênero, Hereditário vem sendo recebido com entusiasmo, e é possível avaliá-lo sob esse ponto de vista: se ele cumpre o hype. Particularmente, sua narrativa arrisca enveredar por um caminho imprevisto, não apenas porque não segue habitualmente os passos do gênero em seu início, como toda a atmosfera, com a colaboração decisiva da fotografia de Pawel Pogorzelski, é extremamente pesada e angustiante. Nesse sentido, ele lembra muito o alemão Boa noite, mamãe, em que um par de gêmeos morava numa casa de campo junto à figura materna e a relação era, no mínimo, tumultuada. Como aquele filme, Hereditário oferece a sensação de que esses personagens estão isolados em relação ao mundo. Há um clima permanente de luto, de um passado não resolvido. O distanciamento entre os personagens confere um sentimento de que nenhum é verdadeiramente trabalhado, quando esta decisão parece estar ligada justamente ao fato de Aster não querer revelar nenhum traço definitivo. Isso fornece duas camadas. Uma delas é representada pelo fato de nenhum se atrever a mudar o que está acontecendo; a outra é que, quando se tenta fazer algo, pode ser que o caminho seria não fazê-lo. Nisso, se Collette tem uma ótima atuação – exceto com alguns momentos nos quais Aster deseja exagerar determinadas expressões –, Byrne, recentemente em outra família disfuncional, em Mais forte que bombas, e Wolff não comprometem. Já Shapiro é uma revelação, trazendo uma atuação assustadora, e Dowd explora bem sua participação em momentos definidos, presente talvez na sequência mais impactante da história.

Aster tenta explorar a divisão entre o universo do filho adolescente (escola, festas com amigos) e dos pais, depois de um determinado acontecimento. A maneira como ele trabalha com influências da psicologia e da religião podem ser questionáveis, mas funcionam dentro do contexto trabalhado, ou seja, não é interessante compreender o filme literalmente, e sim por meio de seus símbolos. Chama a atenção como Aster tem uma leve influência de um diretor que nunca trabalhou no gênero de terror, Wes Anderson. As maquetes que Annie faz remetem ao universo de Anderson (também ao subestimado Annabelle 2 – A criação do mal), e do mesmo modo tem-se a impressão de que os personagens estão vagando em ambientes mínimos, cada vez mais congestionados. Também parece que a miniatura da casa representa a própria tentativa de a mãe observar tudo o que está acontecendo e prever possíveis situações, como o personagem Jack Torrance observa o labirinto do Overlook em O iluminado. Visualmente, em sua parte final, a obra dialoga diretamente com A fúria, um dos grandes momentos de Brian De Palma nos anos 70.
Pode-se apontar vários filmes das últimas quatro décadas como referência em temas (não atmosfera e construção narrativa) de Hereditário, sobretudo em sua parte final, mas seria incorrer em spoilers. A resolução é certamente seu momento mais surpreendente e, ao mesmo tempo, talvez desaponte, pois remete especialmente a uma determinada obra clássica já lembrada por diversos cineastas. Ainda assim, é difícil não dizer que o diretor consegue sobrepor várias camadas sem necessariamente tornar a história didática ou simplista, para que o espectador simplesmente entenda o que está acontecendo, sem nenhum interesse a mais do que isso. E a trilha sonora do saxofonista Colin Stetson é uma das melhores do gênero. Cada vez que ela surge, transforma Hereditário realmente num grande filme, capaz de levar o espectador a um universo no mínimo incômodo.

Hereditary, EUA, 2018 Diretor: Ari Aster Elenco: Toni Collette, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd, Gabriel Byrne Roteiro: Ari Aster Fotografia: Pawel Pogorzelski Trilha Sonora: Colin Stetson Produção: Kevin Frakes, Lars Knudsen, Buddy Patrick Duração: 127 min. Estúdio: PalmStar Media, Finch Entertainment, Windy Hill Pictures Distribuidora: A24

Beleza oculta (2016)

Por André Dick

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Depois de dois sucessos de bilheteria, O diabo veste prada e Marley e eu, o diretor David Frankel se tornou uma espécie de representante daquele nicho que mistura drama e comédia, potencializando essas características em Um divã para dois, com Meryl Streep, Tommy Lee Jones e Steve Carell em ótimas atuações. Talvez por isso ele tenha desapontado tanto a crítica em geral quando resolveu ingressar no drama em Beleza oculta, visto em geral como um filme que desperdiça seu grande elenco.
A história de Beleza oculta apresenta um publicitário, Howard Inlet (Will Smith), em dificuldades pessoais depois de perder a sua filha ainda criança. Seus parceiros Whit Yardshaw (Edward Norton), Claire Wilson (Kate Winslet) e Simon Scott (Michael Peña) não se preocupam apenas com Howard, mas com o destino da agência onde trabalham, na qual ele só aparece para montar dominós em escala gigante. Os três decidem contratar uma detetive particular, Sally Price (Ann Dowd), para colher provas de que Howard está mentalmente desequilibrado.
A investigadora descobre que ele escreve cartas para o Amor, o Tempo e a Morte, conceitos com que lidava na agência durante seu período mais tranquilo. Então, seus colegas contratam três atores – Raffi (Jacob Latimore), Brigitte (Helen Mirren) e Amy (Keira Knightley) – para atuarem como Tempo, Morte e Amor, respectivamente. Amy está especialmente em dúvida se seguirá o que estão solicitando, mas é Brigitte que toma a dianteira para tentar provar que, além do dinheiro a ser recebido, este pode ser um real trabalho de interpretação.

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Whit, Claire e Simon também enfrentam seus problemas pessoais: Whit quer estabelecer uma ligação com sua filha Allison Yardshaw (Kylie Rogers), Simon tem um segredo sobre sua vida; e Claire está atrás de doadores para que possa engravidar. Enquanto isso, Howard não sabe se frequenta um grupo de apoio, em que Madeleine (Naomie Harris) é a organizadora. Ele simplesmente não consegue dizer o nome da filha nem elaborar o que aconteceu a ela com os amigos. Frankel coloca os três colegas de Howard dando conselhos aos atores para que possam interpretar seus papéis de maneira convincente. Mais do que Howard, é eles, por outro lado, que necessitam dos conselhos do Tempo, do Amor e da Morte – e nisso o filme se justifica, colocando-os em diferentes situações.
São justamente esses personagens que gostariam que sua vida fosse transportada para o teatro, a fim de que não precisassem enfrentar a realidade, que inclui a depressão de Howard. Todos, de certa maneira, enfrentam o luto em suas vidas de algum sonho não realizado, e a agência de publicidade se projeta como o símbolo disso. Você vai ver Kenneth Lonergan trabalhar isso de maneira crua em Manchester à beira-mar; aqui, o tratamento é claramente apelando para a fuga da realidade.

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Esta é uma história claramente implausível, feita em cima de conceitos sobre a vida, mas Frankel não deixa de colocar um interesse em cada ação dos personagens e faz atingir um sentido de grandeza em muitos momentos. Assim como em seus outros filmes, ele sabe construir uma atmosfera, e em Beleza oculta o pano de fundo é a época natalina, uma época justamente em que vêm à tona lembranças familiares mais do que em outros períodos. Os seus personagens interagem com esse ambiente: por exemplo, mesmo enfrentando essa fase difícil em sua vida, Howard tenta se reanimar pedalando por Nova York, na contramão de carros ou sobre pontes. Registrada pela fotografia excelente de Maryse Alberti (responsável por dois ótimos trabalhos, em Creed e A visita), a atmosfera contrasta com os sentimentos dele, que não consegue nunca ser colocados à prova. Pode-se dizer, por um lado, que ele é discreto ao revelar sentimentos dos personagens, mas, ao mesmo tempo, contundente: sobretudo quando coloca Helen Mirren na figura da Morte.
De qualquer modo, é Will Smith, do elenco, que apresenta a melhor atuação, como em Esquadrão suicida: apesar de seu personagem ter alguns comportamentos estranhos, o ator estabelece um padrão interpretativo que lembra seus melhores momentos em Ali. Pode-se sentir a angústia de Howard por causa de Smith, mas num nível mais extremo daquele que vemos em À procura da felicidade e mais efetivo do que em Um homem entre gigantes, quando tentava emular um sotaque etíope e muitas vezes não dava certo. Ele não seria também individualista e egoísta vendo seus amigos numa situação complicada? Smith trabalha essa faceta muito bem. Não muito longe, fica Naomie Harris, de Moonlight, no papel da delicada Madeleine.

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Apesar do tom francamente dramático, não escapa à narrativa certo senso de humor, por exemplo na conversa de elevador que Whit procura ter com ele ou naquele momento em que Howard quer desvencilhar do Tempo, e Jacob Latimore aparece para importuná-lo. Helen Mirren tem uma atuação também comovente como a atriz que interpreta a Morte, embora Knightley e Norton sejam especialmente subaproveitados numa ligação cuja intensidade fica subentendida e logo é deixada de lado por Frankel e pelo roteiro.
Em alguns momentos, Beleza oculta evoca Simplesmente amor, pela ligação entre os personagens, mas sua proximidade é maior de filmes de James L. Brooks, principalmente Como você sabe, principalmente pelos cenários nova-iorquinos. E, claro, não é isento de falhas: em algumas resoluções simplistas, na tendência, algumas vezes, a querer que o espectador se comova, independente do que está assistindo. Ainda assim, ele possui uma humanidade interessante e particularmente tocante, mais do que outros projetos que se alimentam dessa ideia. Não é mais tão comum mais obras que tratam da sensibilidade em relação aos outros e das oportunidades que surgem e devem ser seguidas: Beleza oculta é uma delas.

Collateral beauty, EUA, 2016 Diretor: David Frankel Elenco: Will Smith, Edward Norton, Helen Mirren, Keira Knightley, Michael Peña, Naomie Harris, Kate Winslet, Jacob Latimore, Ann Dowd Roteiro: Allan Loeb Fotografia: Maryse Alberti Trilha Sonora: Theodore Shapiro Produção: Allan Loeb, Anthony Bregman, Bard Dorros, Kevin Scott Frakes Duração: 97 min. Distribuidora: Warner Bros. Estúdio: Anonymous Content / Likely Story / Overbrook Entertainment / PalmStar Media / Village Roadshow Pictures

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Capitão Fantástico (2016)

Por André Dick

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O ator Viggo Mortensen já demonstrou sua versatilidade ao encarnar o herói Aragorn de O senhor dos anéis e papéis ultraviolentos em suas experiências com David Cronenberg, além de regressar à Argentina de origem no excepcional Jauja. Em Capitão Fantástico, segunda obra de Matt Ross, ele interpreta Ben Cash, que teve sua esposa Leslie (Trin Miller) internada por transtorno bipolar. Está sendo recebido com grande entusiasmo, inclusive com indicação ao Globo de Ouro de melhor ator em filmes de comédia, o que não acontecia talvez justamente desde Senhores do crime, de Cronenberg.
O casal já havia buscado as florestas, para fugir do modo de vida americano, segundo ele governado pelo capitalismo, instituindo o “dia de Noam Chomsky” e ensinando aos filhos todas as matérias, de modo que se tornem todos autodidatas, além de preparados fisicamente quase para minicompetições esportistas e caçarem para obter os próprios alimentos, ao mesmo tempo que se reúnem à noite ao redor de uma fogueira para cantar e falar de clássicos da literatura. Os filhos, com a situação da mãe, ficaram com Ben: Bodevan (George MacKay), Kielyr (Samantha Isler), Vespyr (Annalise Basso), Reillian (Nicholas Hamilton), Zaja (Shree Crooks) e Nai (Charlie Shotwell). É uma comunidade que poderia estar inserida perfeitamente em Hair, dos anos 70, e parte da linha narrativa é abordar que o homem é bom por natureza, na linha de Jean-Jacques Rousseau.

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Ele acaba encontrando a irmã de Leslie, Harper (Kathryn Hahn), casada com um desajeitado Dave (Steve Zahn), pais de dois filhos que não conhecem direito os estudos, quando fica sabendo de uma notícia delicada, à qual também se ligam Jack (Frank Langella) e Abigail (Ann Dowd), pais de sua esposa. Nos momentos mais acertados, o filme se sente um drama existencial sobre a vida e a morte autêntico; em outro, quando lança mão de nomes de nomes determinados, parece apenas atender a uma vontade de justificar que nada aqui realmente é autêntico. A ligação dele com os filhos, por exemplo, se sente apressada e remanejada para atender ao espectador e seus interesses de ver uma comédia com toques de drama. Sem dúvida, Ross pretende abordar uma temática mais séria em alguns momentos, contudo não sabe exatamente o tom que deveria adotar para atingir a seus objetivos. A abordagem de um policial no veículo em que transita a família representa bem essa indefinição, e Ross nunca se sente muito seguro na maneira de apresentar os diálogos.
Capitão Fantástico transita entre o indie conhecido, à la Pequena miss Sunshine, com toques aqui e ali, no visual, de Wes Anderson, principalmente de Os excêntricos Tenenbaums, e mesmo de Férias frustradas, na ligação do pai com o filho mais velho, que deseja ir para a faculdade, mas não sabe lidar com os interesses amorosos que surgem. São personagens deslocados que pretendem vivenciar experiências em comunidade, sem entenderem exatamente por que o pai precisa levá-los a uma vida longe do famigerado sistema que pode destruir o indivíduo na opinião dele. Nisso, o filme insiste em mostrá-los como parte de uma vida idílica, em que os problemas poderiam ser afastados por uma simples decisão familiar, quando isso não acontece normalmente.

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Se ele tem uma primeira metade muito bem definida, com o personagem central sendo realmente peculiar, aos poucos tudo vai se encaixando nos moldes de Hollywood, bastante previsível e mesmo frustrante, além da ingenuidade de parte de seu discurso não coincidir com o comportamento geral de alguns personagens. Falta uma certa acidez da segunda metade em diante que havia na primeira porque Ross não quer enfrentar justamente o “sistema” de filmes realizados para encantar o público com uma lição. Fica transparente que o roteiro ingressa num caminho que pretende apenas agradar ao espectador e despertá-lo para uma nobre lição, quando, na verdade, ele se sente melhor quando é descompromissado (a sequência em que a família veste um determinado figurino é exemplar no sentido do descompromisso que visa uma identificação forçada). Além disso, ele acaba buscando os mesmos rótulos que critica, fazendo da própria obra um manifesto daquilo que contesta. Este é o principal problema quando a proposta envolve ser atrevido: naturalmente, os personagens não são desse modo. De qualquer modo, classificar Capitão Fantástico dentro de um propósito que ele tenta delimitar não é interessante: este filme é, sobretudo, como lidar com o sentimento de autoengano. Até lá, ainda assim, pelo elenco, montagem, a linda fotografia de Stéphane Fontaine e certas sequências bem-humoradas, o filme vale a viagem. Afinal, ele trata em si de uma viagem interna e externa e, se o espectador ficar indiferente a certos problemas narrativos, pode se interessar além do esperado.

Captain Fantastic, EUA, 2016 Diretor: Matt Ross Elenco: Viggo Mortensen, Frank Langella, George MacKay, Samantha Isler, Annalise Basso, Nicholas Hamilton, Shree Crooks, Charlie Shotwell, Ann Dowd, Erin Moriarty, Missi Pyle, Kathryn Hahn, Steve Zahn Roteiro: Matt Ross Fotografia: Stéphane Fontaine Trilha Sonora: Alex Somers Produção: Jamie Patricof, Lynette Howell Taylor, Monica Levinson, Shivani Rawat Duração: 118 min. Distribuidora: Universal Estúdio: Electric City Entertainment / ShivHans Pictures

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